Kategorien
Kunst

War Henri Matisse für die Kunst bestimmt?

Porträt des französischen Künstlers Henri Matisse; schwarz weiß
Henri Matisse Künstler 05/88 teu Der Künstler Henri Matisse ca. Ende der 1940er Jahre Frankreich Franzose französischer Mann Kunst Maler Klassische Moderne Grafiker Zeichner Bildhauer french artist quer halb Halbprofil Portrait Schere haltend arbeitend *** Henri Matisse artist 05 88 teu The artist Henri Matisse ca end of 1940s France french man frenchman art painter classic modern graphic artist draftsman sculptor french artist crosswise half profile portrait scissors holding working

Der Maler Henri Matisse, geboren am 31. Dezember 1869 in Le Cateau-Cambrésis im Nordosten Frankreichs, war eigentlich für eine andere Karriere bestimmt. Wie er selbst sagte, sollte er als „Sohn eines Samenhändlers“ im Geschäft seines Vaters nachfolgen.

Henri Matisse: Vase d'anémones, 1946 auf der Art Basel 2024
Henri Matisse: Vase d’anémones (1946) – eines seiner Werke, die ich erst neulich sehen durfte. Dieses fand ich auf der Art Basel 2024.

Henri Matisse: Der lange Weg zu seiner Kunst

Matisse war kein Wunderkind wie Pablo Picasso; statt dessen entwickelte er seine Kunst langsam und kontinuierlich aus seiner Begeisterung für Farbe, Licht und Raum. Seine Eltern Emile Matisse und Héloïse Matisse (geb. Gérard) betrieben ein Lebensmittelgeschäft in Bohain mit angeschlossenen Samen- und Farbenabteilungen.

Ursprünglich absolvierte Matisse humanistische Studien am Henri-Martin-Gymnasium in Saint-Quentin (1882-1887). Es folgte ein zweijähriges Jurastudium in Paris. An wen erinnert uns das nur? Im Jahr 1889 wurde er Anwaltsgehilfe in Saint-Quentin.

Porträt des französischen Künstlers Henri Matisse; schwarz weiß
Henri Matisse, Ende der 1940er Jahre in Frankreich. Copyright: IMAGO/teutopress

Geschenk der Mutter entfacht Henris Leidenschaft

Einen entscheidenden Wendepunkt stellte eine lange Krankheitsphase dar, während der ihm seine Mutter einen Malkasten schenkte, um ihn aufzumuntern. Dieses Geschenk entfachte sein Interesse an der Malerei weiter. Denn es stellte sich heraus: Er hatte bereits zuvor Zeichenkurse besucht.

Nachdem er sich endgültig für die Malerei entschieden hatte, kehrte er spätestens Anfang 1891 nach Paris zurück, um sich auf der Académie Julian zu lernen. Trotz einer ersten gescheiterten Aufnahmeprüfung an der Ecole des Beaux-Arts, ließ Matisse sich nicht entmutigen. Schließlich wurde er im März 1895 offiziell als Schüler des symbolistischen Malers Gustave Moreau an der Kunstschule akzeptiert.

„Ich bemühe mich darum, eine Kunst zu schaffen, die für jeden Beschauer verständlich ist.“

Henri Matisse

Einflüsse: Die Entwicklung seines eigenen Malstils

Henri Matisse entdeckte den Impressionismus durch seinen Nachbarn und Kollegen Emile Wéry. Diese Entdeckung führte zu einer leidenschaftlichen Begeisterung für die Farben des Regenbogens, die Matisse etwa in seinem Werk „Servierter Tisch“ zum Einsatz brachte. Es ist ein von Camille Pissarro beeinflusster, maßvoller Impressionismus, der die Hinkehr zur reinen Farbe ahnen lässt.

Das wachsende Interesse von Matisse für diese Richtung der Malerei muss Gustave Moreau mit seiner symbolistischen Auffassung geärgert haben. Die Achtung des Lehrers für den Schüler erlitt dadurch dennoch keinen Bruch, da Interieurs, Porträts, Stillleben und Landschaften weiterhin dem System der Valeurs1 unterworfen blieben. Im Jahre 1897 verteidigte Moreau sogar den „Servierten Tisch“, der im „Salon de la Nationale“ ausgestellt wurde, gegen Kritiker.

Henri Matisse: Servierter Tisch
Henri Matisse: Der Servierte Tisch (1897), Öl auf Leinwand; Copyright: Volkmar Essers – Matisse (Taschen Verlag, 1986)

Henri Matisse: Eine neue Ära der Farben und Darstellungen

Matisse heiratete Amélie-Noémie-Alexandrine Parayre. Sie hatten eine Tochter, Marguerite, und zwei Söhne, Jean und Pierre. Im Jahr 1898 verließ Matisse die Ecole des Beaux-Arts. Dann fuhr er nach Korsika, wo er den Frühling und Sommer in Ajaccio verbrachte. Dort wurde seine Begeisterung für den Süden geweckt. Landschaftsbilder, Stillleben und Interieurs entstanden in zumeist kleinem Format. Das Licht des Mittelmeers hellte die Farbskala immer mehr auf.

Entdecke hier ein paar Impressionen aus der Matisse-Ausstellung in der Fondation Beyeler

Paul Cézanne übte zwischen 1900 und 1904 einen entscheidenden Einfluss auf Matisses Werk aus, wie etwa der Männliche Akt „Der Knecht“ zeigt. Männliche Aktbilder gibt es bei Matisse nur in der kurzen Periode von 1899 bis 1903, die mit der Phase seiner intensiven Cézanne-Begeisterung zusammenfällt. Über die Art, das Motiv zu behandeln, notierte er: „Ich betone seinen Charakter und scheue nicht das Risiko, den Charme dranzugeben, um eine größere Standfestigkeit zu erzielen.“

Henri Matisse, Männlicher Akt: Der „Knecht“ (1900), Öl auf Leinwand. Copyright: Volkmar Essers – Matisse (Taschen Verlag, 1986)

Was bei Bildern wie dem „Männlichen Akt“ an Cézanne erinnert, ist die Darstellungsart. Matisse wählte keine Ruhestellung, sondern eine Körperhaltung voll Spannung. Die gespreizte Stellung der Beine gewährt den festen Stand, von dem er sprach. Die Eleganz weicht der Konstruktion mit Farbflächen. Die Ebenen stoßen hart aneinander.

Quelle: Volkmar Essers – Matisse (Taschen Verlag, 1986)

  1. Das System der Valeurs (oder deutsch: Wertesystem) der Literatur und Kunst ist ein System der geistigen und künstlerischen Werte, die sich in literarischen und künstlerischen Werken kristallisiert haben und der Seele, dem Intellekt und der Persönlichkeit dienen. Das Wertesystem der Literatur und Kunst besteht aus zehn Werten, darunter Widerspiegeln der Tatsachen, Kreativität, Menschlichkeit, Nation usw. Mehr dazu liest du hier.  ↩︎
Kategorien
Reisen

Vietnams schwebende Dörfer: Ha Long Bay

Ha Long Bay in Vietnam: Eine Bucht als Naturphänomen

Dass ich hier heute lande, hätte ich nicht gedacht: ich sitze gerade auf einem schwimmenden Dorf in der Ha Long Bay und trinke das beste warme Bier meines Lebens. Mich begleitet ein französisches Paar. Beide sind – danke Gott dafür – sehr reserviert, aber freundlich und aufgeschlossen. Wir sehen unserem Captain gerade zu, wie er versucht mittels einer einzelnen Nylonschnur Fische aus dem Meer zu fangen. Die Sonne scheint auf uns herab und wir werden von hunderten, wenn nicht tausenden steinernen Inseln umgeben.

Schwebendes Dort in Vietnam: Ha Long Bay. Wohnhaus auf dem Wasser mit seinen Bewohnern.
Aussicht aus einem "schwebenden Café" in der Ha Long Bay.
Blaues Hausboot, Felsen im Hintergrund
Wahrscheinlich eins der Hausboote

Ohne Eile trinken wir aus. Der Franzose lädt mich freundlicherweise sogar ein. Unser Schiff wartet schon auf uns, nun holt der Captain seine Zigaretten raus und raucht. Eben zeigte uns der Betreiber des Cafés auf einem der schwimmenden Grundstücke, wie er fischt. Riesige Karpfen fing der Mann heute bereits, die er uns stolz präsentierte.

Das französische Pärchen und der Cafébetreiber mit seinen gigantischen Fischen
Das französische Pärchen und der Cafébetreiber mit seinen gigantischen Fischen
Überwältigende Natur in der Ha Long Bay
Überwältigende Natur in der Ha Long Bay

Weiter geht’s. Während unserer Fahrt durch die Inseln weinte ich. Ich fragte mich andauernd, wie man nur so gesegneter und glücklicher Mensch sei kann, wie ich. Dass ich diese Schönheit der Natur mit meinen eigenen Augen sehen darf, das berührt mich bis in die Mitochondrien.

Ha Long Bay: Zwischen schwimmenden Dörfern und Kalkstein

Kaum ein Ort in Südostasien vereint so viel landschaftliche Poesie mit kultureller Tiefe wie die Ha Long Bay im Norden Vietnams. Mit über 1.600 Kalksteininseln, die wie Skulpturen aus dem smaragdgrünen Wasser ragen, ist sie nicht nur eines der meistfotografierten Naturwunder Asiens, sondern auch ein UNESCO-Weltnaturerbe – und das bereits seit 1994.

Schiffchen fährt durch die Ha Long Bay

„Ha Long“ bedeutet übersetzt „Bucht des herabsteigenden Drachen“. (Witzig, dass ich das jetzt gerade selbst erfahre, mir aber auf der Insel Cat Ba, zu der die Ha Long Bay gehört, einen Drachen habe tätowieren lassen.) Der Legende nach sandten die Götter eine Drachenmutter mit ihren Jungen auf die Erde, um das vietnamesische Volk vor Invasoren1 zu schützen. Die Drachen spuckten Juwelen und Jade2, die sich in Inseln verwandelten und eine natürliche Barriere gegen Feinde bildeten. Als der Frieden gewahrt war, blieben Mutter und Kinder – und legten sich zur Ruhe in den Gewässern der heutigen Bucht.

Über meinem Knöchel sieht man ein frisch gestochenes Tattoo eines Drachen.
haha nicht mal 12 Stunden vor unserer Bootsfahrt
Einwohnerin eines schwimmenden Hauses entspannt in der Hängematte.
Chillen in der Hängematte

Geologische Meisterleistung

Die Ha Long Bay ist das Ergebnis von über 500 Millionen Jahren tektonischer und klimatischer Prozesse. Die bizarren Kalkfelsen und Karstformationen entstanden durch Erosion, Verwitterung und den Einfluss des tropischen Meeresklimas. Dort findet man auch Höhlen. Die Hang Sửng Sốt (Surprise Cave) oder die Đầu Gỗ Cave zählen zu den eindrucksvollsten Naturphänomenen der Region – voller Tropfsteine, die wie eingefrorene Wasserfälle wirken. Die sehe ich mir dann beim nächsten Mal an.

In der Bucht finden wir mehrere schwimmende Dörfer, darunter Cửa Vạn oder Vung Viêng. Die Menschen hier leben traditionell vom Fischfang und der Austernzucht, viele Familien bewohnen seit Generationen Hausboote. Der Zugang zu Bildung, Strom und Trinkwasser war lange Zeit prekär. Inzwischen werden jedoch mobile Schulen, Solaranlagen und staatliche Programme zur nachhaltigen Entwicklung eingesetzt. Dennoch droht vielen Dörfern die Umsiedlung, teils aus Umwelt-, teils aus Tourismusgründen.

Tourismus: Chance und Herausforderung

Ha Long Bay zieht jährlich rund 14 Millionen Besucher an – davon etwa die Hälfte internationale Reisende wie meine Wenigkeit. Während luxuriöse Kreuzfahrten mit Kajakausflügen, Seafood-Dinnern und Sonnenuntergang an Deck die romantische Vorstellung vom Leben auf See bedienen, kämpfen die Behörden gleichzeitig mit den Folgen des Massentourismus: Müll im Wasser, Lärm, Korallensterben. Um dem entgegenzuwirken, hat die Provinz Quảng Ninh strenge Regulierungen eingeführt. Nur lizensierte Boote dürfen in bestimmten Zonen verkehren, Einwegplastik ist auf vielen Schiffen verboten, und der Zugang zu besonders sensiblen Höhlen wird stark kontrolliert.

unser Kapitän

Gleichzeitig mehren sich die Initiativen für sanfteren Tourismus. Einige Anbieter setzen auf Zero-Waste-Konzepte, Bildungsangebote zu Ökosystemen oder die Integration lokaler Fischer in geführte Programme. Auch Ha Longs Status als UNESCO-Erbe zwingt zum Handeln: 2019 drohte die Aberkennung des Titels, sollte die Bucht nicht besser geschützt werden. Seither ist die Umweltpolitik deutlich sichtbarer geworden.

Ha Long Bay ist überwältigend schön. Einfach Gänsehaut. Aber sie ist weit mehr als ein Postkartenmotiv. Sie ist ein lebendiges Naturwunder, kulturelles Symbol und ökologisches Mahnmal zugleich. Wer sie bereist, sollte wissen, dass er Teil eines fragilen Systems wird – und entsprechend respektvoll handeln. Denn die Zukunft dieses ruhenden Drachen liegt nicht in alten Mythen, sondern in heutigen Entscheidungen.

  1. Invasoren sind Eindringlinge, meist in einem militärischen oder feindlichen Zusammenhang. Der Begriff bezeichnet Gruppen oder Staaten, die gewaltsam in ein fremdes Gebiet eindringen, um es zu besetzen oder zu erobern. ↩︎
  2. Jade ist ein Sammelbegriff für zwei verschiedene, aber ähnlich aussehende Mineralien: Nephrit und Jadeit. Beide gelten als wertvolle Schmuck- und Heilsteine.
    Jadeit ist seltener und härter, oft intensiv grün, aber auch in Lavendel, Weiß, Gelb oder Rosa zu finden. Nephrit ist meist grünlich oder weißlich und etwas weicher.
    Jade wird seit Jahrtausenden besonders in China, Mittelamerika und Neuseeland als kulturell bedeutsamer Stein verwendet – für Schmuck, Werkzeuge, Statuetten oder Rituale. Sie steht symbolisch oft für Reinheit, Weisheit und Harmonie. ↩︎

Kategorien
Kunst

Der Teufel im Münster: Versteckte Dämonen und deren Bedeutung

Münster in Straßburg

Wer durch das Westportal des Straßburger Münsters tritt, wird nicht nur von himmlischen Figuren empfangen. Zwischen Aposteln, Propheten und Tugenden lauern Fratzen, Krallenhände und spöttische Grimassen. Dämonen, Teufel, Mischwesen – verborgen, versteinert und doch voll Ausdruckskraft. Warum hat ein Ort des Lichts und Glaubens so viel finstere Gesellschaft? Die Antwort liegt in der Symbolsprache der Gotik, der mittelalterlichen Theologie und vielleicht sogar in uns selbst.

Copyright: IMAGO / imagebroker
Teuflische Figuren an der Kathedrale in Strasbourg
Copyright: IMAGO / imagebroker

Das Böse im Stein: Absicht oder Abschreckung?

Gotische Kathedralen erzählen durch ihre Architektur Geschichten. Besonders in Frankreich und dem Heiligen Römischen Reich entwickelten sich Portale und Fassaden zu steinernen Lehrbüchern. Dämonen dienten dabei keineswegs der Unterhaltung, sondern der Warnung. Sie zeigten, was passiert, wenn der Mensch sündigt.

Das Westportal des Straßburger Münsters inszeniert eine eindrucksvolle Dialektik von Tugend und Verführung. Auf der linken Seite steht die kluge Jungfrau als Symbol des Himmelreichs – würdevoll, gesammelt, das Gesicht dem Licht zugewandt. Ihr gegenüber, am rechten Portal, tritt das Laster in teuflischer Gestalt auf: Ein höhnisch grinsender Verführer und weibliche Figuren, teils mit gespaltenem Blick.

Man beachte den Verführer mit Apfel im Vordergrund. Copyright: IMAGO / imagebroker

Diese Bildsprache entfaltet sich besonders im Tympanon1 des rechten Portals, das dem Jüngsten Gericht gewidmet ist. Hier wird das Gleichnis von den klugen und törichten Jungfrauen (Matthäus 25,1–13) eindrucksvoll in Stein übersetzt: Während die klugen Jungfrauen auf der einen Seite mit gefüllten Öllampen Einlass ins Himmelreich finden, folgen die törichten (auf der anderen Seite) einem Dämon in Menschengestalt, der sie mit einem Apfel lockt. Sein Rücken ist von kriechenden Tieren bedeckt – eine Allegorie auf Versuchung und Sündenfall. Diese Darstellungen wirken wie ein moralisches Theater: offen sichtbar, jedoch nicht belehrend. Wer sie sieht, fängt zwangsläufig an zu interpretieren.

So sieht ein Tympanon aus. Unten sieht man das kleine Stückchen Tür, über der all die Pracht stattfindet. © avec Madlen

Auch im Inneren der Kathedrale zeigen die mittelalterlichen Glasfenster eine Vielzahl von Höllenszenen. Dämonen, die aus den Mündern der Verdammten tanzen, Heilige versuchen zu verführen oder Sünder in Flammen verbrennen lassen – diese Darstellungen dienten dazu, die Gläubigen zu erschrecken und zur Buße zu bewegen. In einer Zeit, geprägt von Pest, Hungersnöten und religiöser Angst, waren solche Bilder ein effektives Mittel der moralischen Unterweisung. Hier findest du mehr Bilder.

Der Teufel als Pädagoge: Theologie trifft Bildhauerkunst

Im Mittelalter war der Teufel kein Gegenspieler Gottes im modernen Sinne. Er war ein Prüfstein, ein Werkzeug der göttlichen Ordnung. Dämonen durften nicht angebetet, aber dargestellt werden. Gerade in Kathedralen wie Straßburg wurde so die Theologie sichtbar: Gut und Böse existieren nebeneinander – im Leben wie im Stein.

Die dämonischen Skulpturen am Münster speisen sich aus mittelalterlichen Bestiarien2, biblischen Quellen und volkstümlichen Erzählungen. Der Künstler übersetzte das Unsichtbare in das Sichtbare. Dämonen bekamen Körper, Klauen, Hörner – und ein Ziel: den Betrachter zu erschrecken, zu belehren und zur Umkehr zu bewegen.

Straßburger Münster: Spuren der Angst, Spuren der Macht

Die Position der Dämonen ist niemals zufällig gewählt. Oft sind sie an Rändern, in Kapitellen, unter Wasserspeiern zu finden, als sogenannte „Grotesken“. Während sie tagsüber kaum auffallen, verändern sie bei Dämmerung und Schattenwurf ihr Gesicht. Man könnte sagen, sie „erwachen“.

In der Forschung werden diese Figuren heute auch psychologisch interpretiert. Sie geben Einblicke in kollektive Ängste: vor dem Tod, dem Jüngsten Gericht, der Lust. Gleichzeitig spiegeln sie gesellschaftliche Machtstrukturen wider. Wer dämonisch war, wurde ausgeschlossen – Frauen, Außenseiter, Ketzer3. Die Dämonen zeigen damit auch, wen die Kirche als Bedrohung empfand.

Zwischen Himmel und Hölle: Das Münster als Spiegel

Das Straßburger Münster ist mehr als eine Kirche. Es ist ein Spiegelbild des mittelalterlichen Weltbildes, in dem der Mensch zwischen Licht und Dunkelheit steht. Die Dämonen erinnern daran, dass Erlösung nicht ohne Erkenntnis des Bösen möglich ist. Wenn du das nächste Mal die Stufen zum Westportal hinaufsteigst, schau doch mal genauer hin und denk dabei an mich. Vielleicht lacht dich dabei ein kleiner Dämon an.

Peace 🙂

Fun fact am Rande: Eine lokale Legende erzählt, dass der Teufel, geritten auf dem Wind, das Münster betrat, um seine eigenen Darstellungen zu bewundern. Während er sich im Inneren verlor, blieb der Wind draußen zurück und umkreist seitdem unruhig die Kathedrale, in Erwartung der Rückkehr seines Meisters. Dieser ist vor allem hoch oben auf meiner geliebten Aussichtsplattform wahrnehmbar.

Empfehlung: Etwa 40 Minuten Fahrt davon entfernt liegt das Alte Schloss von Baden-Baden. Erfahre alles über seine Geschichte und den Bau.

Quellen:

  1. Halbrunde oder dreieckige dekorative Wandfläche über einem Eingang, einer Tür oder einem Fenster, die von einem Sturz und einem Bogen begrenzt wird  ↩︎
  2. Mittelalterliche Tierdichtung, die moralisierend tatsächliche oder vermutete Eigenschaften von Tieren und Fabelwesen, allegorisch mit der christlichen Heilslehre verbindet. ↩︎
  3. Eine Person, die von der offiziellen Kirchenlehre abweicht. Oder: jemand, der öffentlich eine andere als die für gültig erklärte Meinung vertritt. ↩︎
Kategorien
Reisen

So sicher ist Ägypten für alleinreisende Frauen

Tipps und Hinweise für Frauen, die allein durch Ägypten reisen.

Ägypten fasziniert mich immer wieder aufs Neue mit seinen antiken Schätzen, lebendigen Städten und atemberaubenden Landschaften. Dieses Jahr könnte ich dort wieder landen, um eine liebe Freundin zu treffen. Doch es stellt sich die Frage nach der Sicherheit.

Für alleinreisende Frauen bietet das Land natürlich einzigartige Erlebnisse, erfordert jedoch kulturelles Feingefühl und sorgfältige Planung. Mit den richtigen Strategien lässt sich Ägypten sicher und unvergesslich entdecken.

Kulturelle Sensibilität und angemessene Kleidung

In Ägypten ist konservative Kleidung ein Zeichen des Respekts gegenüber der lokalen Kultur. Empfehlenswert sind locker sitzende, nicht durchsichtige Kleidungsstücke, die Schultern, Oberarme, Brust und Beine bedecken. Diese Outfits schützen nicht nur vor der intensiven Sonne, sondern minimieren auch unerwünschte Aufmerksamkeit.

Besonders in Moscheen sollte zusätzlich ein Kopftuch getragen werden. Auch außerhalb religiöser Stätten wird es von vielen Einheimischen als respektvolle Geste empfunden – insbesondere in ländlicheren Regionen. Ein leichtes Tuch im Gepäck ist daher in jedem Fall sinnvoll. Es muss nicht gleich ein Hijab sein. Dieser würde, falls du eine Frau mit europäischem Erscheinungsbild bist, nur noch mehr unnötiges Interesse erregen.

Foto von Phillip Wang auf Unsplash

Sichere Unterkünfte und Transportmittel in Ägypten

Die Wahl einer sicheren Unterkunft ist entscheidend. Hotels mit positiven Bewertungen, insbesondere von alleinreisenden Frauen, bieten oft ein höheres Maß an Sicherheit. In Städten wie Kairo und Alexandria sind App-basierte Fahrdienste wie Uber und Careem eine zuverlässige Alternative zu herkömmlichen Taxis. Zudem haben viele öffentliche Verkehrsmittel spezielle Bereiche für Frauen, die zusätzlichen Schutz bieten.

Verhalten im öffentlichen Raum

Selbstbewusstes Auftreten, ohne provozierend zu wirken, hilft, unangenehme Situationen zu vermeiden. Direkter Blickkontakt mit Männern kann missverstanden werden und sollte vermieden werden. Ja, ich fasse es selbst nicht, dass ich das jetzt gerade, im Jahr 2025 niederschreibe.

In überfüllten Verkehrsmitteln oder auf Märkten ist es ratsam, Abstand zu halten und bei Bedarf deutlich „Nein“ zu sagen. Auf arabisch: لا، شكراً – laa, shukran. Ein Ehering kann zudem signalisieren, dass man nicht an Flirts interessiert ist.

Am Abend empfiehlt es sich, auf belebte und gut beleuchtete Gegenden zu achten oder das Hotel frühzeitig wieder aufzusuchen. In touristischen Zonen ist es meist unproblematisch, später unterwegs zu sein, doch nicht ohne Vorsicht. Wer abends ausgehen möchte, sollte idealerweise mit vertrauenswürdigen Begleitpersonen unterwegs sein.

Foto von Tom Podmore auf Unsplash

Reiseplanung und Notfallvorsorge

Vor der Reise sollten wichtige Dokumente wie Reisepass, Visum und Versicherungspolicen digital und in Papierform gesichert werden. Eine lokale SIM-Karte ermöglicht ständige Erreichbarkeit. Es ist hilfreich, sich grundlegende arabische Phrasen anzueignen und stets die Kontaktdaten der Unterkunft sowie der Botschaft griffbereit zu haben.

Auch interessant: Historisches Zentrum Kaleiçi in Antalya

Empfehlenswerte Reiseziele für alleinreisende Frauen

Städte wie Kairo, Luxor, Assuan, Hurghada und Sharm El Sheikh gelten als besonders sicher für Frauen. Diese Orte bieten nicht nur beeindruckende Sehenswürdigkeiten, sondern auch eine Infrastruktur, die auf die Bedürfnisse von Touristinnen zugeschnitten ist.

Quellen:

  • Urlaubspiraten
    Ein Erfahrungsbericht über die Sicherheit und das Verhalten als alleinreisende Frau in Ägypten.

Titelbild von Tom Podmore auf Unsplash

Kategorien
Reisen

Dein ultimativer Guide für den Teneriffa-Urlaub

Vulkan Teida auf der kanarischen Insel Teneriffa

Teneriffa, die größte der Kanarischen Inseln, begeistert auch 2025 mit ihrer Vielfalt: von atemberaubenden Vulkanlandschaften über malerische Strände bis hin zu charmanten Dörfern. Damit dein Aufenthalt unvergesslich wird, findest du hier die wichtigsten Informationen und Tipps.

Do’s – was du auf Teneriffa unbedingt tun solltest

  • Natur erkunden: Besuche den Teide-Nationalpark, wandere durch den Anaga-Wald und genieße die Vielfalt der Insel.
  • Lokale Küche probieren: Lass dir Gerichte wie Papas Arrugadas mit Mojo-Sauce oder frischen Fisch in Küstenrestaurants schmecken.
  • Auto mieten: Ein Mietwagen bietet dir die Flexibilität, abgelegene Strände und Dörfer zu entdecken. Mit dem Bus klappt’s aber auch prima – ich habe das Auto zu keinem Zeitpunkt vermisst.
  • Sonnenschutz nicht vergessen: Die kanarische Sonne ist intensiv. Sonnencreme und Kopfbedeckung sind ein Muss. Das merkst du spätestens, wenn du all die Touris an ihrem feuerroten Sonnenbrand erkennst, der einige Tage anhält.
Tipp: Auf Teneriffa Sonnenschutz nicht vergessen! Die Sonne kann recht aggressiv sein
Foto von Sarah Sheedy auf Unsplash

Dont’s – was du vermeiden solltest

  • Nur eine Region besuchen: Teneriffa bietet sowohl im Norden als auch im Süden einzigartige Erlebnisse – nutze die Vielfalt!
  • Umweltbelastung ignorieren: Vermeide überfüllte Strände und respektiere Naturschutzgebiete, um die Umwelt zu schonen.

Die Reise nach Teneriffa: Aktuelle Preise 2025

  • Unterkünfte: Günstige Hotels ab ca. 70 €, 3-Sterne-Hotels ab 85 €, Luxusressorts ab 150 € pro Nacht. Ich buche am häufigsten über Check24.
  • Essen & Trinken: Ein einfaches Gericht kostet etwa 10–15 €, ein Menü in einem gehobenen Restaurant ca. 25–40 €. In den Supermärkten sind die Preise mindestens so hoch, wie bei uns in Deutschland. Vor allem für Produkte, die vom Festland importiert wurden – so zumindest mein Eindruck. Einheimisches Obst und Gemüse kam mir günstiger vor.
  • Mietwagen: Tagespreise liegen zwischen 25–50 €, abhängig von Saison und Fahrzeugtyp.
  • Flüge: Hin- und Rückflug ab Deutschland ab ca. 200 €, je nach Buchungszeitpunkt und Airline.
Foto von Bastian Pudill auf Unsplash

Wichtige Hinweise & aktuelle Entwicklungen

Teneriffa ist ein attraktives Reiseziel mit vielfältigen Möglichkeiten – vor allem Naturliebhaber gehen hier auf. Mit der richtigen Vorbereitung und einem bewussten Verhalten kannst du die Schönheit der Insel gleich noch viel mehr genießen.

Titelbild von Hert Niks auf Unsplash

Kategorien
Kunst

Auf der Jagd nach Cranachs blutrünstigen Frauen

Lucas Cranach Salome im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg. Das Gemälde ist ab der Hälfte abgetrennt

„Ich bin besessen nach Cranach“, sagte ich zu der Dame an der Kasse im Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg, ohne das so richtig gewollt zu haben. Meine Fetische behalte ich nämlich meistens für mich, aber das Phänomen Lucas Cranach teile ich gerne auch mit dir.

In diesen Städten hängt Lucas Cranach

Wegen Lucas Cranach d.Ä. fuhr ich schon nach Hamburg, Stuttgart, Karlsruhe und nach Frankfurt sowieso. Was mich dabei Fasziniert, ist schwer zu greifen. Wahrscheinlich diese einzigartige Plastik, mit denen Cranach seine bildschönen Kinderfrauen malt. Ich liebe die klaren und Ausdrucksstarken Mimiken, die reichen Farben und die üppigen Gewänder. Ich liebe seine Technik und den ganz eigenen Stil und ich freue mich einfach jedes Mal aus meiner vollsten Seele, wenn ich eines seiner Werke schon von Weitem sehe. Heute will ich aber über seine düsteren Werke sprechen.

Fangen wir an mit meinem neuesten Eindruck aus Nürnberg: Dort sah ich Salome – jedoch diese eine Salome, bei der der abgetrennte Kopf des Johannes abgetrennt wurde. Also buchstäblich: Das blutige Haupt des Täufers sollte ursprünglich in der Schüssel liegen, die Salome hielt. Dem Auftraggeber gefiel dieses schauderhafte Bildnis laut Museum allerdings nicht und er ließ Kunstwerk halbieren.

Lucas Cranach Salome im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg. Das Gemälde ist ab der Hälfte abgetrennt
Lucas Cranach der Ältere im Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg: Damenbildnis, früher Salome mit dem Haupt Johannes des Täufers um 1530 – Malerei auf Lindenholz.

Ein abgetrennter Kopf in seiner vollen Pracht lässt sich in einem der Cranach-Gemälde im Frankfurter Städel bestaunen:

Städel Museum Frankfurt: Gastmahl des Herodes von Lucas Cranach dem Älteren
Lucas Cranach der Ältere im Städel, Frankfurt: Gastmahl des Herodes, 1533 – Mischtechnik auf Lindenholz

Auf dem Frankfurter Gastmahl des Herodes finde ich die Gesichter der dargestellten Figuren einfach köstlich. Während Salomes Vater das blutige Präsent dankend ablehnt, scheint Mutti Heroidas, die Frau zu seiner Linken, in diesem Moment sagen zu wollen: „Ach, Herodes… Jetzt probier doch wenigstens ein Stückchen.“

Lucas Cranach: Eine weitere Darstellung des abgetrennten Kopfes

Judith mit Schwert und abgetrenntem Kopf des Holofernes in der Stuttgarter Staatsgalerie
Lucas Cranach der Ältere in der Stuttgarter Staatsgalerie: Judith mit dem Haupt des Holofernes – Mischtechnik auf Lindenholz

Ist das nicht spannend, dass Cranachs Täufer und sein Holofernes glatt eineiige Zwillinge sein könnten? Es scheint ja fast, als hätte er den gleichen abgetrennten Kopf wieder und wieder gemalt. Doch die ikonographischen Geschichten hinter diesen zwei Gemälden mit den geköpften Männern und den Bildschönen Frauen können unterschiedlicher nicht sein.

Die Geschichte von Salome und dem Kopf des Täufers

Salome war die Tochter von Herodias, der Frau des Tetrarchen Herodes Antipas. Johannes der Täufer war ein Prophet und Prediger, der im Neuen Testament als Vorläufer von Jesus Christus bekannt ist. Die Geschichte spielt sich während einer Feier im Palast des Herodes ab. Herodias war unglücklich in ihrer Ehe mit Herodes und wollte Rache an Johannes, der die Ehe als sündig verurteilte. Während der Feier tanzte Salome vor Herodes und seinen Gästen. In künstlerischen Tanz-Darstellungen ist Salome als Verführerin dargestellt und ist als solche auch zu verstehen. Sie erfreute Herodes so sehr mit ihrem Tanz, dass er ihr einen Wunsch gewährte.

Auf Anstiften ihrer Mutter Herodias bat Salome um den Kopf von Johannes dem Täufer auf einem Tablett. Obwohl Herodes Johannes respektierte und ihn für einen heiligen Mann hielt, fand er sich in einer schwierigen Situation und konnte seinem Versprechen nicht entkommen. Schweren Herzens ließ er Johannes hinrichten, und sein Kopf wurde auf einem Tablett präsentiert und Salome übergeben.

Die Geschichte von Judith und Holofernes…

…ist eine biblische Erzählung aus dem Buch Judith im Alten Testament. Judith, eine jüdische Witwe, begibt sich in das Lager des assyrischen Generals Holofernes, gewinnt sein Vertrauen und tötet ihn, als er betrunken ist. Dadurch rettet sie ihre Stadt Betulia vor einer Belagerung und wird als Heldin gefeiert. Judiths Tapferkeit und Glauben werden in der Geschichte betont, und sie bleibt ein symbolisches Beispiel für Standhaftigkeit in schwierigen Zeiten.

Die beiden biblische Szenen kann man auseinanderhalten, in dem man insbesondere auf die Attribute achtet. So hat Judith oft ein Schwert in der Hand, kann Holofernes‘ Kopf aber auch bei den Haaren halten oder gerade dabei sein, ihn zusammen mit einer weiblichen Hilfsfigur in einen Sack zu stecken. Judith hingegen trägt diesen Kopf auf einem Tablett oder in einer Schüssel vor sich oder befindet sich gerade mitten in ihrem verführerischen Tanz. Erfahre hier, welche weitere verführerische Frauenfigur aus der Bibel im Germanischen Nationalmuseum hängt.

Kategorien
Reisen

Mama killt mich: Ich lasse mich in Vietnam tätowieren

Ich lasse mich in Vietnam tättoowieren

Meine Mama killt mich. Ich hab mich in Vietnam tättoowieren lassen. Genau genommen in jener Nacht, als ich auf der Insel Cát Bà war. Mama, ich habe das gemacht, nachdem ich den Tättoowierer und seine Familie kennengelernt habe; nachdem ich mir sein Studio, seine Arbeiten und Materialien angesehen habe; nachdem ich gelesen habe, dass sich die vietnamesischen Tattoostudios an strenge Hygieneregeln halten, was Tättoowierungen angeht. Mir kamen sie viel strenger als in Deutschland vor.

Ich wollte mir eigentlich auf dem Oberarm etwas auf vietnamesisch stechen lassen. Was genau, konnte ich mir jedoch nicht auf die Schnelle ausdenken. Also wurde es ein Drache über dem Knöchel. Das Ding ist weniger als 24 Stunden alt und verheilt schon gut. (Ich schrieb das im November 2024, weniger als 24 Stunden nachdem ich mir das Ding habe machen lassen, logischerweise.)

Wtf, Tattoo-artists?

Mir gefällt es – der Künstler hat es genau auf den Stil meiner Meerjungfrau abgestimmt. Nur weiß ich nicht, was die Tätowierer immer mit ihren scheiß Schattierungen haben. Meine geliebten Tätowierer, schreibt mir mal bitte, was ihr immer mit euren scheiß Schattierungen habt. Gott sei Dank ist der Drache nach seiner vollständigen Abheilung viel heller geworden. Ich habe zwischendurch wirklich Panik geschoben.

Anthony sprach so gut wie gar nicht während des gesamten Prozesses. 100-prozentige Konzentration. „When I tattoo, I forget everything“, erzählte er mir, nachdem wir fertig waren. Selbstverständlich zeigte ich ihm ein paar meiner Comics. Er nannte mich Picasso und meinte, dass ich auch locker Tätöwiererin werden könnte. Ja, auch ich dachte bereits darüber nach. Hätte ich doch nur nicht Mischas Tattoomaschine in den Müll geschmettert, nachdem ich herausfand, dass er mich ersetzt hatte.

Fazit zu meinem Tattoo, das mich für immer an Vietnam erinnern wird

Um nun das ganze abzuschließen: Ich bin sehr zufrieden mit meinem Tattoo. Es war nicht billig. Es war ganz und gar nicht billig. Aber Anthony hat es in einer halben Stunde runtergestochen – absolut makellos und professionell. Würde ich wieder machen und sogar empfehlen. Wer also plemplem genug ist, um sich spontan auf Cát Bà tätowieren zu lassen, kontaktiert am besten Tattoo-Artist Anthony direkt über Facebook.

Kategorien
Kunst Reisen

Insel-Schätze: Kunst und Handwerk auf Madeira

Handwerkskunst auf Madeira
Madeira-Stickerei © Instituto do Vinho e do Bordado e Artesanato da Madeira

Madeira, bekannt für seine atemberaubenden Landschaften und das milde Klima, bietet weit mehr als nur natürliche Schönheit. Die portugiesische Insel beeindruckt mit einer facettenreichen Kunst- und Handwerkstradition, die tief in ihrer Geschichte verwurzelt ist. Zugleich lässt die Tradition Raum für moderne Kreativität. Filigrane Stickereien, bemalte Türen oder zeitgenössische Kunst in Museen – Madeiras kreative Szene spiegelt die Vielseitigkeit der Insel wider.

Madeira-Stickerei als traditionelles Handwerk

Die Madeira-Stickerei steht als Symbol für Tradition und Kunstfertigkeit. Ihre Wurzeln reichen bis ins 15. Jahrhundert zurück– in die Zeit der ersten Besiedlung Madeiras. Schon damals wurden Haushaltsgegenstände, Kleidung und Kirchen mit den detailreichen, von der Inselnatur inspirierten Motiven verziert. Diese Handwerkskunst wurde zunächst wohl von adeligen Damen ausgeführt. Über die Jahrhunderte entwickelte sie sich dann zu einem „Markenzeichen“ des Atlantikarchipels.

Im 19. Jahrhundert erlangte die Madeira-Stickerei durch den Export nach Großbritannien internationale Anerkennung. Die Stickerei erfordert außerordentliche Präzision und Geschick. Verarbeitet werden Materialien wie Leinen und Seide. Wobei Techniken wie der Richelieu- und Knopflochstich für höchste Qualität sorgen. Die Einsatzmöglichkeiten sind vielfältig: Von Tischdecken und Bettwäsche über Kleidung bis hin zu exklusiven Designerstücken. Mit rund 1.000 Stickerinnen bleibt dieses Kunsthandwerk ein lebendiger Ausdruck madeirensischer Identität.

Korbflechterei auf Madeira

Auch die Korbflechterei hat ihren festen Platz in der madeirensischen Kultur. Sie hat ihren Ursprung in der Gemeinde Camacha, wo die wasserreichen Böden ideale Bedingungen für den Anbau von Weidenbäumen bieten. Seit 1850 werden Körbe, Möbel und die berühmten Korbschlitten von Monte aus den biegsamen Ästen gefertigt. Während der Export heute kaum noch eine Rolle spielt, bewahren einige Handwerker diese traditionsreiche Technik und halten ein Stück Kulturerbe am Leben.

Korbflechterei © Miguel Moniz

Kunst zwischen Geschichte und Moderne 

Madeira vereint auch in der Kunst Tradition und Innovation. Im Museum für sakrale Kunst in Funchal erzählen flämische Gemälde, vergoldete Skulpturen und liturgische Gewänder von der kulturellen Blütezeit der Insel und ihrer historischen Verbindung zu Flandern. Die Quinta das Cruzes, einst Wohnsitz des Madeira-Entdeckers João Gonçalves Zarco, zeigt Möbel, exotische Holzarbeiten und luso-orientalische Kunstwerke. Ein Höhepunkt sind die detailreichen Krippenfiguren aus dem 18. Jahrhundert.

Museum für sakrale Kunst in Funchal © VisitMadeira

Moderne Kunst hat ebenfalls ihren festen Platz auf der Insel. Das MAMMA – Museum für Moderne Kunst Madeira – und die Casa das Mudas in Calheta präsentieren zeitgenössische Werke, die sich mit Themen wie Natur und Identität auseinandersetzen. Besonders die spektakulär über der Steilküste gelegene Casa das Mudas beeindruckt mit ihrer Architektur und einzigartigen Atmosphäre.

Kunst begegnet einem auf Madeira jedoch nicht nur in Museen. Die bemalten Türen in Funchals Altstadt, gestaltet im Rahmen des Projekts „Portas Pintadas“, haben die Stadt in eine lebendige Open-Air-Galerie verwandelt. Die farbenfrohen Werke verschönern das Stadtbild und verbinden architektonische Tradition mit moderner Kunst.

Ein paar Worte über die Insel des ewigen Frühlings

Die autonome Region Madeira gehört zu Portugal und ist knapp vier Flugstunden von Deutschland entfernt. Sie liegt vor der Westküste Afrikas im Atlantischen Ozean. Beeindruckende Flora und Fauna, ganzjährig milde Temperaturen, malerische Fischerdörfer, Wandermöglichkeiten auf bis zu 1.800 Höhenmeter sowie außergewöhnliche Ausblicke auf Steilküsten, Felsformationen und Wasserfälle machen die Blumeninsel zum idealen ganzjährigen Outdoor-Ziel.

Aber auch Kulturhungrige oder Strandurlauber kommen etwa in der historischen Hauptstadt Funchal oder an den inseltypischen schwarzen Sandstränden auf ihre Kosten. Weitere Informationen zu Madeira: visitmadeira.com

Quelle: Pressemitteilung der Global Communication Experts GmbH

Kategorien
Kunst

Mind=blown: Henri Matisse in der Schweiz

Henri Matisse in der Fondation Beyeler
Dekorative Figur vor ornamentalem Grund (1938)

Die Matisse-Ausstellung in der Fondation Beyeler (Riehen, Schweiz) habe ich mir am letzen Tag des Jahres angesehen. Sie war ein schöner Abschluss. Ich würde sie sogar zu den Top 2 Ausstellungen des Jahres 2024 rechnen. Meine Nummer 1 war natürlich die wiedereröffnete Dauerausstellung im Münchner Lenbachhaus: Der Blaue Reiter, der für mich nur schwer zu toppen sein wird.

Seine „Korallen“, meist aus mit Gouache bemaltem, ausgeschnittenem Papier auf Papier, fand ich sehr rührend. Die nette Unbekannte auf dem Bild sicher auch.

Matisse: Erste Retrospektive in der Schweiz

Matisse lief in Riehen so gut, dass er nun bis zum 26. Januar 2025 verlängert wurde. Nutzt also diese wirklich einmalige Chance und fahrt hin. Ihr werdet es nicht bereuen. Zu meinem Erstaunen hat man dort an der Kasse sogar meinen deutschen Presseausweis akzeptiert. Sehr angenehm. War aber schon immer eines meiner liebsten Kunsthäuser – mein „Happyplace“, seit ich ein kleines Mädchen war.

Die Fondation Beyeler zeigt mit dieser Ausstellung die erste Henri-Matisse-Retrospektive in der Schweiz. Wie so oft konnte das renommierte Museum extrem viele bedeutende Werke an Land ziehen. Darunter die Frau, die den Tisch deckt, über die ich euch in meiner Frühbiografie von Henri Matisse erzählt habe. Ihr könnt euch vorstellen, wie schnell mein Herz schlug, als ich vor diesem perfekt erhaltenen Gemälde stand. Es war einfach sagenhaft.

Henri Matisse schafft die Grundlage für eine neue Kunst

„Matisse (1869–1954) zählt zu den bedeutendsten Künstlern der Moderne“, schreibt die Fondation Beyeler in einer Pressemitteilung. Das bahnbrechende Werk des Meisters habe seine Zeit und viele spätere Generationen von Künstlerinnen und Künstlern bis heute wesentlich geprägt. In der Befreiung der Farbe vom Motiv und in der Vereinfachung der Formen habe er die Malerei revolutioniert. Dabei habe er eine bis dahin unbekannte Leichtigkeit in die Kunst gebracht. Und die war deutlich zu spüren, als ich vor seinen lebensfrohen Bildern stand.

Interieur in Colliure (Die Mittagsruhe), 1905
Das Mädchen mit den grünen Augen (1908)
Das offene Fenster (1905)
Blende mit Schildkröte (1907/08)
Blende mit Schildkröte, Fragment
Akt mit weißem Schal (1909)
Bronzegüsse zwischen 1911 und 1916
Frau auf einem Diwan (1920/1921)

Anhand von über 70 Hauptwerken aus europäischen und amerikanischen Museen sowie Privatsammlungen richtet die Ausstellung den Blick auf die Entwicklung und Vielfalt in Henri Matisse’ Schaffen. Sie setzt mit einigen um 1900 entstandenen Bildern der Frühzeit ein, führt über die revolutionären Gemälde des Fauvismus und die experimentellen Werke der 1910er-Jahre hin zu den sinnlichen Gemälden der Nizza-Periode und der 1930er-Jahre, um schliesslich in den legendären Scherenschnitten des Spätwerks der 1940er- und 1950er-Jahre zu gipfeln.

Odaliske mit roter Hose (1924/25)
Interieur mit Grammofon (1924)
Die Blaue Bluse (1936)
Interieur mit etruskischer Vase (1940)
Das große blaue Kleid und Mimosen (1937)
Asien (1946)
Blauer Akt III (1952)
Henri Matisse in der Fondation Beyeler
Dekorative Figur vor ornamentalem Grund (1938)

Darüber hinaus zeigt das Museum deutlich, wie sehr die Kunst von Henri Matisse von seinen Reisen geprägt war. So ließ sich der Künstler auf seinen Erkundungen von Ländern wie Italien, Spanien, Russland, Marokko, Amerika und Tahiti immer wieder von der Natur und Kunst anderer Kulturen inspirieren.

Rotes Interieur, Stillleben auf blauem Tisch (1947)
Der Zweig des Pflaumenbaums, grüner Hintergrund (1948)
Interieur mit ägyptischem Vorhang (1948)

Ich werde diese Ausstellung niemals vergessen

Diesmal hat sich die Fondation Beyeler womöglich selbst übertroffen. Denn dass dort eine solch aufsehenerregende Schau gezeigt wurde, liegt bestimmt schon ein paar Jahre zurück. Vermutlich hat mich zuletzt nur Basquiat dort so fasziniert. Obschon die große Rodin-Ausstellung sogar Kunstbanausen im Gedächtnis blieb. Aber ich muss auch zugeben, dass ich vor allem in den letzten Jahren die meisten Ausstellungen verpasst habe.

Stillleben mit Orangen (1912)
Odaliske mit schwarzem Lehnstuhl (1942)
Interieur mit schwarzem Farn (1948)

Danke Mama, dass du das so eingefädelt hast, damit ich die wunderbaren Werke meines geliebten Henri Matisse aus nächster Nähe begutachten konnte.

Kategorien
Kunst

Hier findest du russische Ikonen in Frankfurt

Russische Ikone hängt im Frankfurter Ikonenmuseum
Russische Ikone hängt im Frankfurter Ikonenmuseum

Russische Ikonen sind religiöse Gemälde, die in der orthodoxen christlichen Tradition eine wichtige Rolle spielen. Sie dienen als spirituelle Symbole und werden in orthodoxen Kirchen sowie in Privathäusern als Schutz- und Andachtsbilder aufgehängt. Jede Ikone repräsentiert einen Heiligen, eine biblische Figur oder ein religiöses Ereignis. Die Kunst der Ikonenmalerei hat in Russland eine lange Tradition und ist eng mit der orthodoxen Kirche verbunden.

Um so mehr erstaunte es mich, diesen spirituellen Teil meiner Kultur auf der Museumsinsel in Frankfurt zu finden. Im Ikonenmuseum (hier geht’s zum Webauftritt des Museums). Der größte Teil der Dauerausstellung besteht aus russischen Ikonen. Besucher finden dort auch Ikonen aus Griechenland, dem historischen Byzanz, Rumänien, dem Balkanraum und Ägypten.

Russische Ikone mit drei Heiligen im Ikonenmuseum in Frankfurt am Main
Die Heiligen Georg, Klemens und Menas | Russland, Nowgorod, 15. Jahrhundert: Malstil und Farbwahl kennzeichnen diese Ikone als ein herausragendes Beispiel der Malschule von Novgorod. Dort hatte sich seit dem 12. Jahrhundert eine eigenständige Maltradition entwickelt, die bis zum 14. Jahrhundert ihre Blütezeit erlebte. Für die Ikonen der späteren Novgoroder Maltraditiom ist der plastische Stil der Figuren typisch, der die spätbyzantinische Malerei imitiert.

Diese Techniken werden bei der Ikonenmalerei angewandt

Die Ausstellung war sagenhaft. Die Inszenierung war sehr geschmackvoll und passend. Ich muss sagen, dass das das beste war, was ich in Frankfurt seit Langem gesehen habe. Während ich die einzelnen Heiligenbildnisse aus der Nähe betrachtete, musste ich wieder einmal feststellen, wie sehr sich Ikonenmalerei von anderer sakralen Kunst unterscheidet.

Sehr lesenswert:  Interview mit dem zeitgenössischen Ikonenmaler Igor Kaplun

Gemalt wird nämlich auf ganz bestimmte Weise. Die traditionelle Reihenfolge der Tätigkeiten ist entscheidend für den Aufbau von Ikonen, die aus verschiedenen Materialien und Schichten bestehen:

  • Brett auswählen und bearbeiten
  • Vorbereitung des Bretts für das Grundieren, einschließlich Abschleifen
  • Herstellung des Malgrundes
  • Grundierung und Behandlung des Malgrundes
  • Zeichnen, Übertragen, Vergrößern oder Verkleinern der Zeichnung sowie Pauszeichnung
  • Vergoldung der Bildfläche
  • Vorbereitung der Farben und Mischung der Ikonenfarben
  • Ausführung der Detailarbeiten
  • Feine Modellierung der Details
  • Anwendung von verschiedenen Schichten, wie Sankir, erstes, zweites und drittes Ockern, und Ausführung des Inkarnats
  • Nachbearbeitung der Zeichnung und Malerei, einschließlich Einfärben der Flächen der Einfassung, des Randes, der Heiligenscheine und der Beschriftung
  • Schutz der Ikone durch Firnis und Lackierung

Gemalt wird mit Eitempera. Sie besteht aus wasserverdünntem Eigelb als Bindemittel und einem Pigment. Solch strikte regeln sind nur der Ikonenmalerei vorbehalten, soweit ich weiß.

Kalender-Ikone hängt im Ikonenmuseum in Frankfurt am Main
Kalenderikone für das ganze Jahr mit Passionsbild und Gottesmutterdarstellungen | Russland, 2. Hälfte 19. Jahrhundert – ein sakrales Kunstwerk, das mich besonders erstaunt hatte, da es sich hierbei um Kleinstarbeit handelt: Die Jahresikone beginnt oben links mit dem liturgischen Jahresbeginn, dem 1. September. Das orthodoxe Kirchenjahr endet unten rechts mit dem Monat August. Im Zentrum der Ikone ist das Osterbild dargestellt, um das sich der Passionszyklus Christi gruppiert.

Der Passionszyklus wird wiederum von den 12 Monaten des Jahres umgeben, die durch verschiedene Heilige oder Feste repräsentiert werden. Der äußere Zyklus zeigt schließlich zahlreiche Gottesmutterdarstellungen. Die Kombination all dieser Inhalte macht diese Ikone zu einem typischen Beispiel einer Sammelikone.

Russische Ikonen: Tradition und feste Vorgaben

Natürlich musste ich auch in dieser Ausstellung an Giovanni Bellini denken, wohingegen er die Darstellung der Heiligenbildnisse revolutionierte, als er die Sacra Conversazione ins Leben rief. Ich denke, dass es so etwas in der Russisch-Orthodoxen Kirche nicht geben könnte. Die Russen lieben ihre Ikonen und wissen das Bewahren ihrer Tradition, zumindest was sakrale Kunst angeht, sehr zu schätzen.

Drei russische Ikonen hängen im Ikonenmuseum in FFM
Vlnr: 1.) Gottesmutter von Kasan (Kasanskaja), Russland nach 1800 – Eitempera auf Holz, Oklad vergoldet
2.) Feuerflammende Gottesmutter (Ognevidnaja), Russland, 2. Hälfte 19. Jahrhundert – Eitempera auf Holz; Oklad: Metall, Samt, Flussperlen, Glassteine und Strass
3.) Gottesmutter als Lebensspendende Quelle, Russland, 19. Jahrhundert – Eitempera auf Holz

Es ist ja nicht nur die technische Ausführung, die seit Jahrhunderten in der russischen Ikonenmalerei unverändert bleibt. Auch die Darstellung der einzelnen Figuren, die Verwendung bestimmter Farben und die Voraussetzungen, die ein Mensch erfüllen muss, der sie letztlich zeichnet, ist fest vorgegeben.

Übrigens: Eine lange Tradition in der Fertigung dieser sakralen Kunstwerke haben Griechenland (seit dem 6. / 7. Jahrhundert), Russland (vermutlich seit dem 10. Jahrhundert) und Äthiopien (seit dem 15. Jahrhundert).

Russische Ikonen: Weitaus mehr als Kunstwerke

Im Teaserbild dieses Artikels siehst du einen Propheten- und Deesisrang aus einer Ikonostase. Nordrussland, Ende 17. Jahrhundert / Anfang 18. Jahrhundert – Eitempera auf Holz.

Russische Ikonen sind nicht nur Kunstwerke, sondern auch Fenster in die spirituelle Geschichte Russlands. Ihre Bedeutung, Geschichte und die Faszination, die sie auf Gläubige und Sammler ausüben, machen sie zu einem einzigartigen und wertvollen Teil des kulturellen Erbes der Welt. Egal, ob aus spirituellen oder künstlerischen Gründen – die Wertschätzung für Ikonen bleibt ungebrochen.

Die mobile Version verlassen