Monat: Juli 2025

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Selbstbetrug durch kognitive Dissonanz

kognitive Dissonanz (Symbolbild): Nahaufnahme einer Person, rot unterfärbt

Heute sprechen wir über mein zurzeit geliebtes Thema: Kognitive Dissonanz. Gemeint ist damit der innere Zwiespalt, wenn sich zwei widersprüchliche Gedanken oder Gefühle gleichzeitig bemerkbar machen – ein innerer Kampf zweier Motive, der uns hin- und herreißt. Und während wir in jenem Zustand sind, stellt sich (hoffentlich) die leise Frage: „Was bin ich eigentlich für ein Mensch?“

Treten wir etwa nach außen hin überzeugt auf, während in uns Zweifel nagen, zeigt sich darin oft eine kognitive Dissonanz. Dieses unbewusste psychologische Phänomen tritt mit einem Spannungsgefühl auf. Es entsteht immer dann, wenn unser Denken, Fühlen und Handeln nicht im Einklang stehen. Doch was genau bedeutet das – und warum ist es so schwer, diese innere Spannung auszuhalten?

Kognitive Dissonanz: Ein Begriff aus der Psychologie

Den Begriff prägte der US-amerikanische Sozialpsychologe Leon Festinger im Jahr 1957. Seine Theorie besagt: Menschen streben grundsätzlich nach konsistentem Denken – also danach, dass ihre Überzeugungen, Einstellungen und Handlungen zueinander passen. Gerät dieses innere Gleichgewicht ins Wanken, empfinden wir Unbehagen.

Beispiele aus dem Alltag:

  • Eine Raucherin weiß, dass Zigaretten schädlich sind, raucht aber trotzdem.
  • Jemand will ein guter Partner sein, betrügt seine Verlobte aber mit 35 anderen Frauen.
  • Konsumenten kaufen ein überteuertes, aber prestigevolles Smartphone, das objektiv kaum mehr Funktionen bietet, und rechtfertigen dies später mit angeblichem „besserem Design“.
  • Eine Frau befindet sich seit Jahren in einer Beziehung mit emotionalen Missbrauch, leidet darunter, erkennt dies auch, doch beendet es trotzdem nicht.
  • Ein Vater schlägt sein Kind regelmäßig und erzählt ihm im Erwachsenenalter, er sei ein sehr schwieriges Kind gewesen.

Meine persönliche kognitive Dissonanzen:

Natürlich hat mein Verhalten seine Gründe und Ursprünge. Doch dadurch werden die Bedürfnisse, die in mir koexistieren nicht weniger widersprüchlich. Was ist hier also los?

Der Mensch versucht, seine Dissonanzen aktiv abzubauen – meist unbewusst. Das funktioniert etwa durch Rechtfertigung, Bagatellisierung1 oder das Ignorieren widersprüchlicher Impulse und Bedürfnisse.

Warum erleben wir Dissonanzen?

Da die Theorie auf der Annahme basiert, dass psychisches Wohlbefinden stark mit kognitiver Konsistenz2 verbunden ist, stellen Widersprüche zwischen Wissen, Überzeugungen und Verhalten eine Bedrohung für das Selbstbild dar. Die Folge: Menschen sind bereit, teils absurde Erklärungen zu akzeptieren oder Informationen zu verzerren, um den inneren Konflikt zu lindern.

Neurobiologisch lässt sich dieses Unbehagen sogar messen. Während einer Dissonanzsituation wird vor allem der anterior cinguläre Cortex aktiviert wird – ein Hirnareal, das an der Verarbeitung von Konflikten und Fehlern beteiligt ist.

Mechanismen der Dissonanzreduktion

Menschen nutzen verschiedene Strategien, um kognitive Dissonanz abzubauen:

  • Verhaltensänderung: Das eigene Handeln wird an die Überzeugung angepasst (Beispiel: Das Rauchen wird aufgegeben).
  • Einstellungsänderung: Überzeugungen werden angepasst, um das Verhalten zu rechtfertigen („So schlimm ist Rauchen gar nicht“).
  • Informationsvermeidung: Widersprechende Informationen werden ausgeblendet oder ignoriert.
  • Selektive Wahrnehmung: Nur Informationen, die das eigene Verhalten unterstützen, werden wahrgenommen.

Diese Anpassungsmechanismen dienen weniger der objektiven Wahrheitsfindung, sondern eher der psychischen Entlastung.

Kognitive Dissonanz im Konsum und in der Gesellschaft

Besonders in der Werbung und im Marketing spielt das Phänomen eine zentrale Rolle. Unternehmen nutzen gezielt das Bedürfnis nach Konsistenz:

  • Hochpreisige Produkte werden als „Lifestyle“ verkauft – wer sie nicht kauft, muss sich fragen, ob er „außerhalb des Trends“ lebt, außerhalb der Zugehörigkeit zum Kollektiv, das den meisten Menschen ein wohliges Gefühl beschert.

Auch in gesellschaftlichen Kontexten begegnet uns das Prinzip:

  • Menschen bleiben in Gruppierungen oder Ideologien, obwohl ihnen innere Zweifel kommen – aus Angst vor dem Verlust ihres Weltbilds oder sozialen Status.
  • Politische Polarisierung kann teilweise als Schutzmechanismus gegen kognitive Dissonanz verstanden werden: Informationen, die das eigene Weltbild in Frage stellen, werden abgewehrt.

Ein gesundes Maß an Dissonanz gehört zum Leben

Kognitive Dissonanz ist kein Zeichen von Schwäche, sondern ein zutiefst menschlicher Mechanismus. Sie hilft, ein konsistentes Selbstbild aufrechtzuerhalten und psychische Belastung zu vermeiden. Doch nur wer sich der eigenen Widersprüche bewusst wird, kann lernen, differenzierter und freier zu denken.

Psychologen raten: Statt jede Dissonanz sofort aufzulösen, lohnt es sich manchmal, das Spannungsgefühl auszuhalten. Es kann der Ausgangspunkt für persönliche Weiterentwicklung und echte Veränderung sein. Wird das aber zu intensiv, kann man sich die gegebene Situation auch aus unterschiedlichen Perspektiven ansehen:

Was genau bringt mir diese Kippe gerade? Beruhigt sie mich wirklich, oder ist sie der Ausdruck meines Suchtverhaltens? Was passiert, wenn ich in diesem Tempo so weiterrauche? Welche sofortigen Konsequenzen trage ich davon, wenn ich sie jetzt qualme? Wodurch könnte ich die Fluppe ersetzen? Gibt es eigentlich auch was Positives daran, bis auf das kurzfristige Gefühl der inneren Fülle? Welcher Mensch will ich sein? Einer, der raucht, stinkt und seiner Gesundheit schadet, oder einer, der dieses Problem in den Griff bekommen will und dies auch aktiv versucht?

No hate an die Raucher an dieser Stelle, ich rauche in bestimmten Lebenslagen selbst mal gerne eine. Meine Motive dahinter: Ich finde es ästhetisch ansprechend, wie das Zigarettchen da so elegant zwischen meinen Fingern glüht oder in anderen Szenarien auch meine ungeschliffene, maskuline Seite zum Vorschein bringt. Oder einfach nur nach außen trägt, wie verloren ich mich gerade fühle und mit sehnlichst wünsche, dass es von irgend einem anderen Lebewesen auf diesem Planeten bemerkt wird. Egal, welche Motivation dahinter steckt: Ich rauche, obwohl ich weiß, dass es mir schadet. Und das ist meine kognitive Dissonanz. Und was ist deine?

Artikelbild von Dasha Yukhymyuk auf Unsplash

Quellen:

Fußnoten:

  1. Bagatellisierung bedeutet, ein Problem herunterzuspielen; einen Fehler oder eine unangenehme Wahrheit kleinzureden oder als unwichtig darzustellen – obwohl es objektiv betrachtet durchaus bedeutend oder ernst sein könnte.

    Beispiele:

    Jemand sagt nach einem Autounfall: „War doch nur ein kleiner Kratzer“, obwohl der Schaden erheblich ist.
    In einer missbräuchlichen Beziehung: „Er hat mich angeschrien, aber ich kann das mittlerweile total gut ausblenden.“
    Oder die Raucherin: „Rauchen? Ach, mein Großvater hat auch geraucht und ist 90 geworden.“
    Oder ich, nachdem ich ein Törtchen inhaliert habe: „Ohne Törtchen fühlt sich die innere Leere in mir unerträglich an.“

    Bagatellisierung ist eine Strategie zur psychischen Entlastung. Etwa um Schuldgefühle zu vermeiden oder kognitive Dissonanz abzubauen. Das Problem wird verharmlost, um sich selbst besser zu fühlen oder um Kritik abzuwehren. ↩︎
  2. Kognitive Konsistenz bezeichnet in der Psychologie das innere Gleichgewicht eines Menschen, bei dem seine Überzeugungen, Einstellungen und Handlungen widerspruchsfrei und im Einklang miteinander sind.

    Im Zustand kognitiver Konsistenz:
    Passen Gedanken, Gefühle und Handlungen zusammen.
    Erlebt eine Person keine innere Spannung oder Unruhe.
    Das eigene Selbstbild bleibt stabil und logisch nachvollziehbar.

    Beispiel:
    Eine Person glaubt, Umweltschutz sei wichtig (Überzeugung).
    Sie fährt deshalb Fahrrad statt Auto (Handlung).
    Sie fühlt sich dabei gut (Gefühl).

    Alles passt zusammen – es besteht kognitive Konsistenz. Das Streben nach kognitiver Konsistenz gilt als ein grundlegendes psychologisches Bedürfnis, weil es das Selbstwertgefühl stabilisiert und emotionale Belastungen reduziert. Gerät dieses Gleichgewicht ins Wanken (etwa durch widersprüchliches Verhalten), entsteht kognitive Dissonanz. ↩︎
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Kunst

Ein Genie und seine Ikonen: Igor Kaplun

Ikone von Igor Kaplun

Heute stelle ich euch einen ganz besonderen Menschen vor. Ich habe Igor Kaplun (*1991) vor einiger Zeit bei Instagram gefunden. Er malt Ikonen. Nachdem ich ihn monatelang beobachtet hatte und seinen Stil, Humor sowie auch seine Leidenschaft für Ikonenmalerei kennenlernte, musste ich ihn um ein Interview bitten.

Das ist der Mann der Stunde: Igor Kaplun

Ikonenmalerei: Interview mit einem Gegenwartskünstler

avecMadlen: Wie begann Ihre künstlerische Reise und was hat Sie dazu inspiriert, sich auf Ikonenmalerei zu spezialisieren?

Igor Kaplun: Mein kreativer Weg begann, bevor ich zur Ikonenmalerei kam. Ich habe schon seit meiner Kindheit gezeichnet. Im Grunde war es das Einzige, was mir gut gelang. Deshalb besuchte ich Kunstkurse sowie auch eine Kunstschule. Später, als es Zeit wurde, mich für ein Studium zu entscheiden, wählte ich zwischen Architektur und Buchillustration. Schließlich landete ich an der Fakultät für Malerei.

Meine Lehrer waren Monumentalkünstler. Sie teilten ihre Erfahrungen in Wandmalerei und Mosaik mit uns. Daher war es nur logisch, dass wir uns in den letzten Semestern mit Mosaiken und Kleber auf Baugerüsten in der Nähe von Wänden wiederfanden. Diese Wände gehörten zu einer Kirche. Von diesem Punkt aus war der Schritt zur Ikonenmalerei klein, da ich mich bereits innerhalb der plastischen Welt der Kirchenmalerei befand.

Zwischen Tradition und Innovation

avecMadlen: Ihre Werke sind bekannt für ihre einzigartige Mischung aus traditionellen und unkonventionellen Elementen. Wie haben Sie diesen unverwechselbaren Stil entwickelt?

Igor Kaplun: Alle Überlegungen von Künstlern über ihren Stil oder die Suche nach ihrem Stil sind in der Regel sinnlos. Am Anfang des beruflichen Werdegangs beschäftigt es noch, aber wenn man sich in den Arbeitsprozess vertieft (bei mir geschah das etwa im dritten Studienjahr), verschwinden diese Fragen. Der Stil ist kein Ziel, sondern ein Bonus für die Arbeit.

Das Ziel ist es viel mehr, ein gutes, solides Bild zu schaffen. Wenn es um traditionelle und unkonventionelle Elemente geht, habe ich das Gefühl, dass ich innerhalb der Tradition der Ikonenmalerei lebe, aber mit verschiedenen Strömungen und Künstlern der Weltkunst vertraut bin. Daher erscheinen auf meinen Ikonen unterschiedliche plastische Ansätze und Entdeckungen, die sowohl aus der traditionellen Ikone als auch aus der sogenannten „weltlichen“ Malerei stammen.

avecMadlen: Welche spezifischen Aspekte der traditionellen russischen Ikonenmalerei faszinieren Sie am meisten und wie integrieren Sie diese in Ihre zeitgenössischen Arbeiten?

Igor Kaplun: Ich kann sagen, dass ich definitiv die Sprache der Ikonenmalerei benutze – das mittelalterliche Verständnis von Form und eine Reihe von Techniken, mit denen Form und Volumen in einer Ikone dargestellt werden. Außerdem ist mir die Freiheit der Ikone sehr nahe. In der Ikonenmalerei gibt es völlige Freiheit der Darstellung, im Gegensatz zur akademischen Malerei, zum Beispiel.

„Die Idee“ sei eher was für Autoren und Ingenieure

avecMadlen: Können Sie ein Beispiel eines Ihrer Werke nennen, das besonders gut Ihre moderne Interpretation eines traditionellen Themas zeigt?

Igor Kaplun: Leider nein. Ich glaube, dass ich als Künstler, der heute lebt, bereits zeitgenössisch bin. In jedem Fall werde ich meine heutigen Gefühle und mein heutiges Verständnis von Raum und Form zum Ausdruck bringen. Und die Idee – das ist schließlich ein Begriff für Schriftsteller oder Ingenieure. Ein Künstler spricht in einer plastischen Sprache – diese lässt sich schwer in Worte fassen. Wenn das möglich wäre, würde der Künstler nicht malen.

avecMadlen: Wie reagieren Kunsthistoriker oder Anhänger der klassischen Ikonenmalerei auf Ihre innovativen Ansätze?

Igor Kaplun: Ich kenne nicht viele Kunsthistoriker. Ich hoffe, dass der Beruf des Kunsthistorikers einen Blick auf die Gegenwart und die Zukunft richtet und nicht nur auf die Vergangenheit. Das würde nämlich bedeuten, dass er bereit wäre, Neues wahrzunehmen und es „auszuprobieren“. Ich bin offen für jede Meinung, und ich würde sogar sagen, dass mir Meinungen fehlen.

Ikonenmalerei: Mit diesen Materialien malt Kaplun am liebsten

avecMadlen: Gibt es bestimmte Techniken oder Materialien, die Sie bevorzugen?

Igor Kaplun: Ich liebe Tempera und Öl. Ikonen male ich jedoch nur mit traditionellen Materialien: Kasein– oder Eitempera.

avecMadlen: In welcher Weise reflektieren Ihre Werke aktuelle gesellschaftliche oder kulturelle Themen in Russland?

Igor Kaplun: Ich glaube, gar nicht. Ich bin nicht wirklich in der Welt der zeitgenössischen oder konzeptuellen Kunst zu Hause. Es interessiert mich mehr, wenn ich arbeite und sehe, wie die Farben zu Tönen werden und zusammen erklingen.

avecMadlen: Welche Herausforderungen begegnen Ihnen bei der Balance zwischen Ehrfurcht vor der Tradition und dem Drang zur Innovation?

Igor Kaplun: Für mich gibt es keine solche Schwierigkeit. Respekt vor der Tradition und das Streben nach Innovation existieren in mir untrennbar miteinander, noch bevor ich mir dieser Prozesse bewusst wurde. Ich liebe die Tradition, aber es interessiert mich, Neues zu schaffen. Ich denke, dass die Tradition, wenn sie nichts Neues erschafft, aufhört lebendig zu sein und somit aufhört, Tradition zu sein. Das Neue und die Tradition sind untrennbare Dinge.

Inspitation und Botschaft

avecMadlen: Was inspiriert Sie?

Igor Kaplun: Malerei, Natur und Literatur.

avecMadlen: Was möchten Sie mit Ihren Werken ausdrücken und welche Botschaft hoffen Sie, dass Betrachter von ihnen mitnehmen?

Igor Kaplun: Ich hoffe, dass traditionelle Malerei, die auf einer Oberfläche mit Farben gemalt wird, gefragt sein wird. Und dass die Menschen sich diese Kunst anschauen, diskutieren, sich darüber freuen, sie kaufen und zu Hause aufhängen. Ich würde mir sehr wünschen, dass man sich an der Malerei erfreut und dass sie eine der schönen Dinge ist, die den Menschen umgibt.

Und wenn jemand meine Ikonen oder Bilder mag, freue ich mich sehr. Und wenn nicht – dann gibt es eben genügend große Künstler auf dieser Welt, an denen sich die Betrachter erfreuen können.

Ikonenmalerei: Ein Interwiev mit dem Gegenwartskünstler Igor Kaplun

Wie kann man eine Ikone von Igor Kaplun ergattern?

Der Künstler verkauft seine Ikonen auch ins Ausland. Trotz Einschränkungen und Sanktionen konnte er in diverse europäische Länder verkaufen. In einem einzigen Land kam es bisher jedoch zu Komplikationen an der Grenze: in Deutschland. In Österreich nicht und in der Schweiz bislang auch nicht. Wer Igor Kaplun kontaktieren will, tut dies am besten über Instagram.

Du bist auf der Suche nach Ikonen in deiner Nähe? Entdecke hier das Ikonenmuseum in Frankfurt am Main.

Dieses Interview veröffentlichte ich letztes Jahr schon bei tuellundtrueffel.com. Doch da die Kunst von Igor Kaplun für mich eine Herzensangelegenheit ist, wollte ich sie den Lesern von avecMadlen nicht vorenthalten.

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Kunst

Brutalismus: Zwischen Faszination und Abscheu

Brutalistisches Bauelement aus Beton in schwarz weiß

Brutalismus polarisiert: roh, wuchtig, oft abweisend, aber faszinierend. Was auf den ersten Blick wie angsteinflößende Betonmassen wirken mag, ist einerseits die Schaffung von sozialem Raum – meistens unter Zeitdruck und auf begrenzten Flächen. Andererseits ist Brutalismus eine charakteristische Ästhetik der Extraklasse.

Brutalistisches Bauelement aus Beton
An diesen Betonmassen können viele gar nicht vorbei gehen, ohne stehenzubleiben und sie einige Momente lang betrachten zu wollen. Foto von Nenad Radojčić auf Unsplash

Was zeichnet Brutalismus aus?

Der Begriff stammt vom französischen béton brut – „roher Beton“. Dieser rohe Beton prägt viele Gebäude des Brutalismus. Doch die Bewegung ist mehr als nur ein Material. Brutalismus steht für eine Architektur, die Konstruktion und Materialien unverblümt zeigt. Keine dekorativen Fassaden, keine Verzierungen. Stattdessen bleiben konstruktive Elemente sichtbar: Träger, Stützen und der rohe Beton werden nicht verkleidet, sondern sind bewusst Teil des Designs. Statt Dekoration zeigt die Architektur ihre Struktur. Das Tragwerk wird dabei zur Gestaltung. Dazu gehören natürlich auch sichtbare Stützen, markante Linien und massive Baukörper.

Der Begriff „Brutalismus“ entstand in den 1950er-Jahren. Als Vorreiter gilt der französische Architekt Le Corbusier, der mit seinem Konzept des béton brut (roher Beton) stilistisch den Weg bereitete. Die britischen Architekten Alison und Peter Smithson entwickelten darauf aufbauend den sogenannten „New Brutalism“, eine bewusst reduzierte und konstruktionsbetonte Architektursprache. Der Architekturkritiker Reyner Banham trug maßgeblich dazu bei, den Begriff „Brutalismus“ als Bezeichnung für diese Bewegung zu etablieren.

rechts: Foto von Piotr Chrobot auf Unsplash
links: Foto von kiryl auf Unsplash

Was macht Brutalismus aus?

  • Materialehrlichkeit: Beton bleibt sichtbar, manchmal rau, manchmal geglättet – aber niemals verkleidet.
  • Massive Formen: Gebäude wirken blockhaft, wuchtig, fast monumental.
  • Offenlegung der Konstruktion: Tragende Elemente und funktionale Teile werden nicht versteckt, sondern betont.
  • Sozialer Gedanke: Brutalismus war oft Architektur für die Öffentlichkeit – Universitäten, Rathäuser, Sozialbauten. Es ging um Gemeinschaft, nicht um Eliten.
Foto von Aram Ramazyan auf Unsplash

Wo und wann entstand der Brutalismus?

Nach dem Zweiten Weltkrieg suchte Europa nach neuen Lösungen für den Wiederaufbau. Der Brutalismus entstand vor allem in Großbritannien und Frankreich, breitete sich aber schnell weltweit aus. In Deutschland finden sich brutalistische Bauten besonders in den 1960er- und 70er-Jahren: Kirchen, Universitäten und Schwimmbäder wurden im Stil des Betonbrut gestaltet.

Brutalistische Kirche Monte Grisa, Trieste, Province of Trieste, Italy
Ein schönes Beispiel für eine brutalistische Kirche. Diese steht nicht in Deutschland, sondern in Italien, Monte Grisa, Trieste. Foto von Daniel Diesenreither auf Unsplash

Wichtige Fakten und Eckdaten zum Brutalismus:

  • Zeitraum der Blüte: Der Brutalismus war vor allem zwischen den 1950er und 1970er Jahren weltweit verbreitet. In vielen Städten Europas und Nordamerikas prägen brutalistische Gebäude bis heute das Stadtbild.
  • Typische Baumaterialien: Neben Sichtbeton kamen häufig Stahl, Glas und Backstein zum Einsatz, oft in Kombination, um Funktionalität und Ästhetik zu vereinen.
  • Kritik: Brutalismus wurde teils als kalt, abweisend und unpersönlich wahrgenommen. Sichtbeton kann mit der Zeit durch Witterung Schäden zeigen, was den Ruf mancher Bauten beeinträchtigte.
  • Renaissance: Seit den 2010er-Jahren erlebt Brutalismus eine neue Wertschätzung, besonders bei jungen Architekten und Designliebhabern, die die Materialität und den markanten Charakter schätzen.
  • Geografische Verbreitung: Brutalismus ist kein rein westliches Phänomen – auch in Osteuropa und Teilen der ehemaligen Sowjetunion entstanden brutalistische Bauten, allerdings oft mit eigenständigen regionalen Varianten. Nicht zu verwechseln ist dies mit dem Sowjetischen Klassizismus.

Auch interessant: So erkennst du sofort, ob es sich bei der Kunst und Architektur um Barock handelt.

Artikelbild von Stefan Spassov auf Unsplash

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Ein kleiner Tod: Der Abschied von Teneriffa

Abschied von Teneriffa: Sonnenuntergang und Wellen

Der Tag der Abreise fühlt sich doch immer wie ein kleiner Tod an. Gerne gehe ich da noch ein letztes Mal durch die Gassen und lasse Revue passieren, was ich dort in den Tagen zuvor getrieben habe. In Puerto de la Cruz regnete es an jenem Tag. Viel war nicht zu machen. Teneriffa weinte wohl, weil sie fühlte, dass ich mich wieder zurück nach Deutschland verpissen musste.

Die letzten Momente auf Teneriffa

Daher verabschiedete ich mich von den wogenden Wellen des Atlantischen Ozeans und atmete so tief, wie es nur ging, seine Brise ein. Die Wellen schienen mir heute besonders heftig zu sein. Meinen Kaffee trank ich an der Promenade, dann ging ich durch die kleinen Gässchen. Hier und da sah ich Männer bei Reparaturarbeiten an den Zäunen und Hausfassaden. Die Insel würde ohne mich weiterleben – so wie ich ohne ihr.

Viel Zeit blieb mir nicht. Also beschloss ich meine letzten Minuten auf der Kanarischen Insel so effektiv wie möglich zu verbringen und ging ein paar Runden im Pool schwimmen. Bei Regen ist das sowieso die reinste Romantik.

Adiós Tenerife: Mit dem Shuttle zurück zum Airport

Um 11.30 Uhr sollte mein Shuttle zum Flughafen kommen. Obschon mein Flug erst um 16.50 Uhr ging. Ein bisschen drüber, wenn ihr mich fragt. Zumal ich drei Stunden sinnfrei auf dem Airport herumlümmeln musste. Aber besser zu früh, als zu spät. Oder? Trotzdem ist ein Shuttle-Service vom Flughafen zur Unterkunft und wieder zurück sehr bequem. Man muss sich einfach keine Gedanken um nichts machen.

Ich weiß jetzt schon, dass ich Teneriffa wiedersehen werde. Wann, weiß ich noch nicht. Auch nicht, unter welchen Umständen, und ob ich wieder alleine sein werde, wenn es wieder soweit ist. Ich will nämlich noch einiges anderes erleben und sehen. In erster Linie in Asien, Philippinen genau genommen. Doch die Natur, die friedvolle Atmosphäre und das Klima werden mich bestimmt noch viele Male wieder auf die sonnige Insel Teneriffa locken.

Abschied von Teneriffa: Sonnenuntergang und Wellen

NEWS: Meine Teneriffa-Abenteuer gibt’s jetzt auch im Video-Format auf Tiktok

Alle Bilder in diesem Artikel: © avecMadlen

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Was ist der Unterschied zwischen Sanieren und Renovieren?

Sanierungsbedürftige tragende Wand

Was ist eigentlich der Unterschied zwischen Sanieren und Renovieren? Wer ein Haus kauft oder eine Wohnung übernimmt, hört beide Begriffe oft in einem Satz. Und dennoch bedeuten sie nicht das Gleiche. Kurz gesagt: Renovieren verschönert, Sanieren rettet. Schauen wir mal genauer hin.

Das meinen Vermieter und Makler mit „Renovieren“

Renovieren bedeutet, etwas optisch aufzufrischen. Hier geht es darum, den normalen Verschleiß zu beheben und Räume wieder wohnlich zu machen. Typische Renovierungsarbeiten sind zum Beispiel:

  • Wände neu streichen oder tapezieren
  • Böden verlegen oder abschleifen
  • Türen und Fenster lackieren
  • Kleine Risse im Putz ausbessern

Das Ziel: Die Wohnung oder das Haus soll wieder hübsch und gepflegt aussehen. Renovieren ist also eher oberflächlich, vergleichbar mit leichten Tagesmakeup für deine vier Wände.

Foto von Kenny Eliason auf Unsplash

Beim Sanieren geht’s ans Eingemachte

Sanieren greift tiefer. Hier werden Schäden beseitigt oder das Gebäude technisch auf den neuesten Stand gebracht. Sanierungen können nötig werden, wenn das Haus in die Jahre gekommen ist oder versteckte Mängel entdeckt werden. Dazu zählen beispielsweise:

  • Erneuerung der Elektrik oder Wasserleitungen
  • Austausch einer alten Heizung
  • Wärmedämmung für Dach oder Fassade
  • Schimmelbekämpfung oder Abdichtung gegen Feuchtigkeit

Auch interessant: Das solltest du unbedingt wissen, bevor du in eine Altbauwohnung ziehst

Hier wird eindeutig saniert. Foto von Alex Plesovskich auf Unsplash

Sanieren und Renovieren

Während das Renovieren also eher der Optik dient, zielt das Sanieren darauf ab, die Immobilie überhaupt bewohnbar, sicher und energieeffizient zu halten. Sanieren bedeutet: Substanz sichern und Lebensdauer verlängern. Beispiel: Wir streichen in einer Altbauwohnung die Wände und verlegen neuen Parkettboden – also renovieren wir. Müssen wir jedoch die maroden Stromleitungen ersetzen und das Dach dämmen, sanieren wir.

Beides kann Hand in Hand gehen, muss es aber nicht. Deshalb lohnt es sich, genau hinzuschauen, wenn (vor allem beim Kauf einer Immobilie) von „ein bisschen was machen“ die Rede ist. Denn ob du nur streichst oder das Haus technisch auf Vordermann bringen musst, macht finanziell einen gewaltigen Unterschied.

Beitragsbild von Brina Blum auf Unsplash

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Kunst

Die radikale Veränderung in Kandinskys Malstil

Wassily Kandinsky: Roter Felck II im Lenbachhaus München
1921: Roter Fleck II

Wassily Kandinsky ist bekannt für seine farbenfrohe und ausdrucksstarke Malerei. Doch sein außerordentliches Werk „Roter Fleck II“ (1921) zeigt eine entscheidende Wendung in seiner künstlerischen Karriere.

Als der Erste Weltkrieg ausbrach, verließ Kandinsky Deutschland und kehrte in sein Heimatland Russland zurück. In dieser Zeit ruhte seine Kunst. Er widmete sich eher politischen und kulturellen Aufgaben.

Porträt von Wassiky Kandinsky. Der Künstler sitzt am Tisch und schaut in die Kamera
Wassily Kandinsky in seinem Studierzimmer. Copyright: IMAGO / Bridgeman Images

„Roter Fleck II“ von Wassily Kandinsky

Das Werk „Roter Fleck II“, das im Münchner Lenbachhaus hängt, steht symbolisch für den bedeutenden Wandel in Kandinskys Ausdrucksweise. Sein typischer lebendiger Farbauftrag wurde durch eine glattere Art der Farbgebung ersetzt. Seine Bilder wirken nun kühler und rationaler. Die geometrischen Formen wie Dreiecke, Kreise und Linien dominieren seine Werke. Das ist ein klarer Einfluss des russischen Konstruktivismus, einer Strömung in der Kunst, die Wert auf geometrische Strukturen legt.

Künstler des Konstruktivismus wie Ljubow Popowa, Wladimir Tatlin und Malewitsch haben sicherlich zu diesem Wandel beigetragen. Dennoch unterscheidet sich Kandinskys Arbeit von ihrer rein konstruktivistischen Ansatzweise. Denn obwohl er geometrische Formen nutzt, sind sie in seinen Werken nicht streng logisch angeordnet.

Ein besonderes Element ist dabei der Kreis – diese Form wird zu einem zentralen Aspekt während seiner Zeit am Bauhaus. Für Kandinsky repräsentiert der Kreis die perfekte Form für sein neues künstlerisches Schaffen. „Neues“, da sein Herz in der frühen Schaffensphase dem Expressionismus gehörte.

Wassily Kandinsky: Roter Felck II im Lenbachhaus München
1921: Roter Fleck II / Öl auf Leinwand

Konstruktivismus: Kandinskys streben nach reinen Formen

Mit seinen geometrischen Formen setzte er seine Suche nach immer reineren Formen fort. Diese sollten keine Erinnerungen oder ablenkende Assoziationen hervorrufen. Im Gegensatz zu anderen abstrakten Künstlern blieb Kandinsky jedoch stets bei der Darstellung von ‚Figuren‘, seien sie nun gegenständlich oder abstrakt.

Insgesamt betrachtet steht „Roter Fleck II“ als Zeichen eines neuen Kapitels in Kandinskys Werk. Es zeigt den Beginn seiner Auseinandersetzung mit dem Konstruktivismus und dem Streben nach reinen Formen. Erfahre hier von der größten Sammlung der Künstlergruppe „Der Blaue Reiter“, die Kandinsky mitbegründete.

Nicht ausdrücklich gekennzeichnete Bilder in diesem Artikel © avecMadlen

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Bevor du einziehst: Altbau-Check in 3 Minuten

Fassaden von Altbauhäusern in Europa

Knarrende Dielen, hohe Decken, stuckverzierte Träume – eine Altbauwohnung ist für viele die pure Wohnromantik. Aber bevor du dein Pinterest-Board Realität werden lässt, solltest du ein paar Dinge genauer unter die Lupe nehmen. Denn wo Charme ist, ist manchmal auch Chaos.

Altbauwohnungen sind nicht jedermanns Sache. Aber die, die sie lieben, wissen, warum sie es tun. Foto von Strange Happenings auf Unsplash

Heizung, Fenster & Co. in der Altbauwohnung: Der Wintertest

Die meisten Altbauten wurden lange vor der Ölkrise gebaut – sprich: Energieeffizienz war damals noch kein Thema. Wenn die Fenster nicht mindestens doppelt verglast oder die Heizkörper vor dem Zweiten Weltkrieg montiert worden sind, zahlst du im Winter Unmengen an Geld.

Diese Checkliste kannst du bei einer Wohnungsbesichtigung durchgehen:

  • Sind die Fenster dicht oder zieht’s bei Wind aus den Ritzen?
  • Wann wurde die Heizanlage zuletzt gewartet oder erneuert?
  • Gibt es Thermostatventile? (Viele Altbauheizkörper laufen noch auf gut Glück.)
  • Lass dir außerdem die letzten Heizkostenabrechnungen zeigen – das sagt mehr als tausend Worte.
Was für fantastische Fenster! Bleibt nur noch herauszufinden, wie gut sie isoliert sind. Foto von Florence Gray auf Unsplash

Wände mit Geschichte – und Überraschungen

Altbauten haben den ultimativen Old-Money-Charme – und das ist toll. Aber manchmal verbirgt sich hinter dem Putz nicht nur Charakter, sondern auch Schimmel, Asbest oder Bleirohre.

Fragen, die du dem Makler / Eigentümer stellen könntest (und solltest):

Strom und Kabelsalat aus der Nachkriegszeit?

In vielen Altbauten ist der Sicherungskasten ein kleines Museum. Zu wenige Steckdosen, keine FI-Schalter und Kabel, die schon vor Jahrzehnten überfordert waren.

Wichtig zu wissen:

  • Ein veralteter Stromkreislauf ist nicht nur nervig – er ist gefährlich.
  • Frag gezielt nach einem E-Check oder dem letzten Elektrikerbesuch.
So verkabelt sollte weder eine Klingelanlage, noch der Telefonanschluss noch der Stromkasten aussehen. Foto von Yung Chang auf Unsplash

Hellhörig? Ja. Schön? Nicht immer.

Das klassische Altbauproblem: Trittschall. Die Nachbarn über dir könnten genauso gut auf deiner Couch sitzen, wenn sie morgens barfuß zur Kaffeemaschine schlendern.

Akustik-Test: Geh am besten zu verschiedenen Uhrzeiten in die Wohnung – wenn das überhaupt möglich ist. Ich weiß ja selbst, wie gestresst man bei der Wohnungssuche sein kann. Höre und horche genauer hin, wie der Lautstärkenpegel ist. Hältst du das auf Dauer aus? Frage ruhig nach, ob der Boden entkoppelt ist. Teppiche könnten auch ein bisschen dabei helfen, um den Lärm der Hausgemeinschaft zu dämmen.

So sehr wir diese alten Dielen lieben: Sie sind nicht immer so praktisch, wie wir sie gerne hätten. Foto von Nathan Bang auf Unsplash

Eigentümer-Egonummer? Wirf einen Blick in die Protokolle

Altbauten werden oft von WEGs (Wohnungseigentümergemeinschaften) verwaltet. Klingt harmlos, kann aber zur Geduldsprobe werden. Wer blockiert notwendige Sanierungen? Gibt es Rücklagen für Reparaturen? Steht eine Dachsanierung an? Tipp: Protokolle der Eigentümerversammlungen geben Aufschluss über Streitpunkte und Baustellen.

Stilvoll leben im Altbau bedeutet auch, seine Schwächen zu kennen. Foto von Kseniia Zapiatkina auf Unsplash

Deine Altbauwohnung ist ein Denkmal?

Wenn dein Altbau unter Denkmalschutz steht, kannst du nicht mal eben neue Fenster einsetzen oder die Fassade streichen lassen. Auch der Einbau moderner Bäder oder Balkone kann eingeschränkt sein.

Daher unbedingt vorab klären:

  • Steht das Haus unter Denkmalschutz?
  • Welche baulichen Veränderungen sind erlaubt – und welche nicht?

Ja, Altbau kann anstrengend sein. Aber auch wunderbar. Es gibt kaum etwas Schöneres, als morgens auf alten Dielen in eine lichtdurchflutete Küche zu tappen, in der schon vor 100 Jahren jemand Kaffee gekocht hat. Wenn du weißt, worauf du achten musst, wird der Einzug nicht zum bösen Erwachen – sondern zum Neuanfang mit Geschichte.

Artikelbild von Aleksander Stypczynski auf Unsplash

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Reisen ohne Internet: So war’s auf Teneriffa

Aussicht auf den Atlantischen Ozean an der Küste von Teneriffa

Was erwartest du, hier zu lesen? Es war normal. Es war gut. Erstaunlicherweise braucht man das Handy nicht, wenn man so planlos unterwegs ist, wie ich. Ich merke mir einfach den Weg den ich gegangen / gefahren bin und gehe oder fahre ebenden auch wieder zurück. Und wenn ich lustig bin, mit Umwegen. Das Handy brauchte ich ausschließlich zum Bilder machen. Und natürlich Videos machen. Ich hab jetzt nämlich endlich wieder Tiktok. Dort kannst du alle meine Abenteuer im Videoformat erleben.

Aber, wie sonst auch immer, war meine Anreise nicht ohne Abenteuer. Genau weil ich kein Internet hatte, konnte ich mein Hotel nicht finden. Aber die netten Bewohner von Puerto de la Cruz haben mir geholfen. Zwischendurch bin ich aber, zugegeben, fast verzweifelt. Das aber habe ich als Teil meines Experiments verstanden.

Zufall oder Schicksal? Unverhofft finde ich einen Naturpfad

Am schönsten fand ich meinen Geburtstag. Den 30sten wollte ich unbedingt alleine feiern. Ich holte mir morgens eine kleine Torte, pustete die Kerzen aus und setzte mich in einen Bus, von dem ich nicht wusste, wohin er fahren würde. Der Plan war es, da auszusteigen, wo es mir am meisten gefiele. Das war dann die Endstation. Planlos schlenderte ich durch die Gässchen, erlebte die Natur der Kanarischen Insel ganz nah, lernte wie immer Katzen kennen und ging, wohin der Wind mich trug.

Durch mein Treibenlassen entdeckte ich einen Wildpfad. Den hätte ich wahrscheinlich niemals , hätte ich mich bei Google Maps bedient. Dort war es so schön, dass ich an einer Stelle das Gefühl hatte, das Leben neu verstanden zu haben. Es war das beste Geburtstagsgeschenk, das mit Mutter Natur, das Universum, Gott und wer auch immer daran beteiligt gewesen war, hätte machen können.

Internet gab’s nur im Hotel

Es war total befreiend, für keinen verfügbar zu sein, während ich meine Abenteuer gelebt habe. Zu Hause in Deutschland hatte man sogar etwas Verständnis für meine Entscheidung. Im Hotel hab ich dann wieder Internet genutzt, vor allem um meine Mitteilungsbedürftigkeit auf Insta zu befriedigen. Diesmal war diese recht ausgeprägt.

Während meiner Zeit in Portugal, oder meinem Trip in die Türkei, oder sonstigen Auslandsaufenthaltne kam nicht ein kleiner Post von mir. Hängt wohl mit meinem Gemütszustand zusammen. Oder womit auch immer. Wie ist denn das eigentlich bei euch?

Teneriffa: Kurze Kein-Internet-Krise in Güimar

Da fällt mir gerade ein Moment ein, in dem ich wünschte, doch etwas Internet gehabt zu haben. An meinem Tag in Güimar, als ich beschlossen hatte, südlichere Teile Teneriffas zu sehen, hat mich meine Landkarte aus Papier so hart verirrt, dass ich mir einfach nur noch dachte: Yo. Fick doch alles. Fick das Handy, fick das nicht vorhandene Internet – ich will gar nichts mehr. Ich will eine rauchen.

Fazit: Lohnt sich das Reisen ohne Internet?

Abschließend lässt sich sagen (Gott, mit diesem Einstieg in den Schlussteil komme ich mir vor wie ChatGPT – if you know, you know): Ich kann den Flugmodus während deiner nächsten Abenteuerreise sehr empfehlen. Es ist ein anderes feeling. Du merkst schnell, wie all deine Sinne geschärft sind und du dich noch mehr auf deinen inneren Kompass, die Instinkte und das Gedächtnis verlassen musst. Und du gehst zudem auch noch verantwortungsvoll damit um.

Außerdem gab es mir, zugegeben, auch ein bisschen den Kick. So nach dem Motto „komme ich an, oder übernachte ich heute mal am Strand?“

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Das ist dein Zeichen, mit Tiktok anzufangen

Deshalb solltest du mit Tiktoks anfangen. Auf dem Bild sieht man eine Hand mit offener Handykamera, die gerade einen Sonnenuntergang abfilmt.

Vor etwa einem Monat habe ich angefangen, TikTok zu nutzen. Ich wollte ein neues Auditorium für meine Blogs avecMadlen und Tüll & Trüffel finden, war neugierig und hatte das Bedürfnis, meine Erlebnisse mit anderen zu teilen. Aber ich hab mich nicht getraut. Ich hatte schlicht keine Lust auf Haterkommentare, wollte etwas wirklich sinnvolles produzieren und fragte mich fortwährend, ob meine Ideen überhaupt gut oder spannend genug sind für ein Format wie Tiktok.

Irgendwann hab ich mich dann mit ChatGPT beraten – er schlug mir vor, einfach mal Landschaften mit cooler Musik zu posten. Ich hielt das für eine gute und vor allem sichere Idee, dachte noch eine Weile darüber nach… und dann, eines Nachts, hab ich einfach meine ersten Videos rausgeballert.

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So fühlt es sich an, endlich Tiktoks zu machen

Es fühlte sich erstaunlicherweise total geil und richtig an. Ich dachte mir: „Yeah, i did it!“ Nach all den Jahren voller Zweifel. TikTok hat jetzt nicht mein Leben umgekrempelt. Aber: Ich filme neben dem Fotografieren für meine Blogs inzwischen auch kurze Clips. Ganz automatisch. Und das fühlt sich an wie eine natürliche Erweiterung meiner Arbeit.

Blonde Frau, die am Strand hockt mit dem Handy die Wellen filmt.
Ist doch scheißegal, wie das auf andere wirkt: Hauptsache du bist in deiner Schaffensphase und hast (hoffentlich) auch noch Spaß dabei. Foto von Patti Black auf Unsplash

Was ich dabei gelernt habe: Ich kann tatsächlich Videos schneiden. Außerdem kann ich sie so gestalten, dass ich selbst Freude daran habe – und ein paar andere Menschen auch. Und das Schönste: Jedes Mal, wenn ich meine Clips anschaue, sie zusammenschneide und mich mit ihnen beschäftige, erlebe ich meine Reisen noch einmal. Sehr intensiv sogar. Es fühlt sich an, als wäre ich wieder mittendrin – in all diesen schönsten Momenten meines Lebens. Dieses Material wird dadurch zum Input für mich selbst. Es inspiriert mich über einen langen Zeitraum – zu Texten, zu neuen TikToks, sogar zu kleinen Malereien oder Comics. Es ist irgendwie ein Kreislauf, den ich mir da selbst schaffe, durch den ich mich wieder auflade und inspiriere.

Kurz zum Equipment: Ich habe eine gute Handykamera, nutze das Xiaomi Mi 14T pro mit Leica-Kamera. Ich bin wirklich begeistert davon. Fotos und Videos sehen damit wild aus. Licht, Mikrofon, andere Kameras habe (oder nutze) ich bis jetzt noch nicht. Bin demnächst dann wahrscheinlich aber offen für Anschaffungen.

Kamera- und Handy-Equipment für Blogger. Stative, Objektive, Mikrofone, künstliches Licht, Gopro und viel mehr.
Du kannst mit dem Equipment übertreiben, du musst aber nicht. Foto von Jakob Owens auf Unsplash

Trau dich, Schatz. Wenn ich es kann, kannst du es auch

TikTok hat mich in diesen Wochen mutiger gemacht und mir beigebracht, dass ich einfach losgehen kann. Ohne Masterplan und Rücksicht auf Perfektion. Ohne alles zu zerdenken und einfach mal Gleichgesinnte zu inspirieren und mich von ihnen inspirieren zu lassen. Kunst, Kulturen und die Liebe zu Abenteuern auch an die Jungs und Mädchen weiterzugeben, die noch gar nicht wissen, wie sehr sie das alles lieben könnten. Quasi all das, was ich auch mit avecMadlen versuche umzusetzen.

Und falls du denkst, TikTok wäre nur Trash-Content oder man müsste direkt mit dem ersten Video viral gehen: Das habe ich auch geglaubt. Beides trifft für mich aber nicht zu. Mit meinen kleinen Videos mache ich jetzt einfach mal stabil weiter. Weil ich stur bin, weil es wahnsinnig viel Spaß macht; und weil ich nach nur einem Monat sehe, dass es vorwärts geht – langsam, aber spürbar. Falls du also selbst überlegst, dort anzufangen: Warte nicht so lange wie ich.

Beitragsbild von J A N U P R A S A D auf Unsplash

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Kunst

Warum München das Herz des Blauen Reiters wurde

Gemälde von Franz Marc: Blaues Pferd I

Als ich letztes Jahr erstmals das Lehnbachhaus betrat, war ich wie auf Ecstasy, ehrlich. Die Farbenpracht der Werke Kandinsky’s und Franz Marcs war nicht in adäquate Worte zu fassen (im verlinkten Artikel findest du auch weitere Exponate).

Da ich vor wenigen Tagen wieder in München war, um den Geburtstag meiner guten Freundin zu feiern, dachte ich mir: ich schnei da wieder vorbei. Natürlich war ich genauso überwältigt, wie damals. Doch die „Blauer Reiter“-Ausstellung, so wie sie jetzt gerade ist, wird es nicht ewig geben. Daher nichts wie hin ins wunderschöne München!

Gemälde

1. Maria Franck-Marc: Blumen und gelbe Disteln, ca. 1913
2. Wassily Kandinsky: Große Studie zu einem Wandbild für Edwin R. Campbell (Sommer), 1914
3. Alexej von Jawlensky: Bildnis des Tänzers Alexander Sacharoff, 1909
4. Wassily Kandinsky: Entwurf 2 zu Komposition VII, 1913

Manch einer könnte sich fragen, warum ausgerechnet die bayerische Landeshauptstadt zum Epizentrum einer internationalen Kunstbewegung wurde. Die Gruppe „Blauer Reiter“ entstand 1911 in München – initiiert von Wassily Kandinsky und Franz Marc. Ihre Wurzeln lagen in der Münchner Avantgarde1. Das Lenbachhaus, einst Zuhause des Malers Franz von Lenbach2, wurde zum Zentrum dieser Bewegung. Unten in den Fußnoten erfährst du, warum das ein bisschen ironisch ist.

Gabriele Münter: Kandinsky und Erma Bossi am Tisch, 1912

Woher stammen die Bilder?

Der Kern der Sammlung geht auf ein großzügiges Vermächtnis zurück: 1957 schenkte Gabriele Münter über 1.000 Werke dem Museum, darunter etwa 90 Ölgemälde, 330 Aquarelle, Skizzen und Glasmalereien. Ergänzt wurde diese Sammlung 1965 durch Schenkungen der Bernhard Koehler-Stiftung – etwa Werke von Franz Marc und August Macke.

Da ich bisher noch nicht konkret herausfinden konnte welche Bilder genau Münter dem Kunsthaus schenkte, hier einfach eine random Auswahl der Exponate:

1. Wassily Kandinsky: Heiliger Wladimir, 1911
2. ?
3. Wassily Kandinsky: Improvisation 26 (Rudern), 1912
4. Franz Marc: Blaues Pferd I, 1913
5. Wassily Kandinsky: Improvisation 19, 1911
6. Wassily Kandinsky: St. Georg III, 1911
Links: Außenansicht des Lenbachhauses in München
Rechts: Wassily Kandinsky: Reitendes Paar, 1906/07

Ausstellungslaufzeit & Aufbau

Die aktuelle Schau unter dem Titel „Eine neue Sprache“ läuft voraussichtlich bis Ende 2025 oder sogar Winter 2026. Gezeigt werden rund 250 Werke. Von frühen Jugendstil-Werken und Holzschnitten über Hinterglasbilder bis zu seltenen Fotografien und Skulpturen. Elisabeth Epstein, Katharine Schäffner und Neuankäufe sind ebenso vertreten wie unser geliebter Kandinsky, Klee und Marc.

Links: Marianne von Werefkin: Wäscherinnen, ca. 1909
Rechts: Josef Scharl: Drei Korporierte (Larven), 1925

Diese Ausstellung beleuchtet nicht nur die Entstehung, sondern auch die Vorgeschichte und Nachwirkungen der Künstlergruppe, inklusive Einflüssen aus Japan, Volkskunst und Kinderzeichnungen. Zum ersten Mal werden hier auch die Neuankäufe des Vereins vorgestellt; etwa von Franz Marc, Maria Franck-Marc und dem NS-verfolgten Moissey Kogan3.

Ein begleitender Filmbereich und eine Bibliothek laden zum Eintauchen in spirituelle und theoretische Kunstaspekte des Blauen Reiters ein. Außerdem ist die Ausstellung Teil eines internationalen Austauschs: ab April 2025 wandern zahlreiche Werke nach London für „Expressionists. Kandinsky, Münter and the Blue Rider“ in der Tate Gallery of Modern Art.

NEWS
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Bebilderung dieses Artikels

Bild von der Außenansicht des Lenbachhauses: von Maria M. auf Unsplash
Alle anderen Bilder © avecMadlen

Fußnoten

  1. Der Blaue Reiter war ein zentraler Bestandteil der Münchner Avantgarde, aber nicht mit ihr gleichzusetzen. Die Münchner Avantgarde war eine breitere Bewegung in der Kunstszene der Stadt um 1900 bis etwa 1914, in der sich verschiedene Künstlergruppen gegen den Akademismus und die traditionelle Kunst wandten.
    Der Blaue Reiter, gegründet 1911 von Kandinsky und Marc, war eine der bedeutendsten Gruppierungen innerhalb dieser Avantgarde und repräsentierte deren radikalsten und international ausgerichteten Flügel. Während andere Strömungen der Münchner Avantgarde eher dem Jugendstil oder frühen Expressionismus verpflichtet waren (z. B. Künstler der Phalanx oder der Neuen Künstlervereinigung München), suchte der Blaue Reiter bewusst nach einer universellen, spirituellen Bildsprache jenseits traditioneller Grenzen.
    Kurz gesagt: Der Blaue Reiter war eine der prägendsten Gruppen der Münchner Avantgarde, die den künstlerischen Aufbruch Münchens zu einem Zentrum der Moderne entscheidend mitgestaltete. ↩︎
  2. Franz von Lenbach war kein Teil der Münchner Avantgarde und auch nicht am Blauen Reiter beteiligt – ganz im Gegenteil: Er verkörperte die traditionelle Kunstauffassung des 19. Jahrhunderts. Lenbach (1836–1904) war ein berühmter Porträtmaler, der für seine realistischen Darstellungen von Politikern, Adeligen und Künstlern bekannt war. In München gehörte er zur etablierten Kunstszene und war Vertreter des Historismus.
    Sein Wohnhaus und Atelier, das Lenbachhaus, wurde jedoch später zum Ausstellungsort genau jener Künstler, die sich von seinem Stil abwandten: der Avantgarde und insbesondere dem Blauen Reiter. Heute ist das Lenbachhaus weltberühmt für seine Sammlung von Werken dieser Künstlergruppe – ein spannender Kontrast zum Namensgeber. Ironie? ↩︎
  3. Moissey Kogan (1879–1943) war ein jüdisch-rumänischer Künstler, der vor allem für seine filigranen Skulpturen, Reliefs und Zeichnungen bekannt wurde. Er bewegte sich im Umfeld der europäischen Avantgarde, hatte aber keinen direkten Bezug zum Blauen Reiter. Auch zur Münchner Avantgarde gehörte er nicht im engeren Sinne. Kogan war eher dem Pariser Kreis um Künstler wie Maillol und Brancusi verbunden und später auch Teil des Bauhaus-Umfelds.
    Seine Arbeiten zeigen eine Hinwendung zu antiken und archaischen Formen, oft mit Anklängen an Jugendstil und Symbolismus. Im Gegensatz zu den expressionistischen, farbgewaltigen Arbeiten des Blauen Reiter bevorzugte Kogan zurückhaltende, ornamentale Ausdrucksformen.
    Sein Schwerpunkt lag also außerhalb der Münchner Strömungen. Im Lenbachhaus wird er heute dennoch ausgestellt, da seine Kunst den erweiterten Kontext der Moderne mitprägt – als leise, formbewusste Gegenposition zur expressiven Kunst des Blauen Reiter. ↩︎
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