Da stand ich nun vor dem Spiegel. Ich trat näher. Ganz nah, bis ich nur noch mein Gesicht erblicken konnte. Suchend nach der Makellosigkeit, die meine Mutter immer wieder darin fand. Ich fragte mich, wo sie diese sah. Dann schaute ich mir tief in die Augen. Sie waren so wie immer, aber nicht wiederzuerkennen. Ich trat erschrocken zurück.
Tänzelnd vor dem Spiegel betrachtete ich das Gesamtbild. Dann wurde die Frau im Spiegel wieder völlig ernst. Sie schaute seriös, dann wieder voller Seelenschmerz, dann machte sie mir Rehaugen und wurde wieder ernst. Ich merkte, dass die Frau im Spiegel innerlich lacht. Ob über mich oder etwas anderes – wohl eher über mich, ja. Ich erschrak und wich erneut zurück.
Ich suchte Schutz vor ihren durchdringenden Blicken hinter dem Türrahmen und bemerkte jetzt erst meinen rasenden Puls. Mit wurde klar, dass ich diese Frau nicht kenne. Aber sie zieht mich magnetisch an und sie ist immer da – ich sehe sie nur nie. Oder eben nur in Spiegeln. Ich musste mich sammeln. Doch ich hatte Angst, wieder aus der Tür hervorzukommen und ihren Blick aufs Neue über mich ergehen zu lassen. Aber ich musste.
Also ging ich an ihr vorbei zum Lichtschalter. Ein flüchtiger Blickkontakt verriet, dass sie meine Angst genauestens roch. Sie schien mir, als würde sie ihre Erkenntnis zu ihrem Vorteil nutzen wollen. Die Frau im Spiegel schnitt eine satanische Grimasse. Nun erreichte ich auch schon den Lichtschalter. Als nächstes müsste ich auch noch in der Dunkelheit an ihr vorbeischreiten.
Ich weiß, dass sie jetzt auch da ist. Sie lebt. Im Bett liegend sah ich ihren Schatten über die Wand wandern. Sie war nicht ich, denn ich lag regungslos auf einer Stelle. Als sie bemerkte, dass ich sie wieder sehe, ging sie aus dem Zimmer zurück in meine Gedanken und tauchte als einäugiger, grau befellter Vierbeiner auf und schrie in einem klirrenden Ton, den nur ich hören konnte.
Ein kleiner Kommi zu der „Frau im Spiegel“
Was soll ich zu meiner Verteidigung sagen? Ich war bekifft, nehme ich mal an. Ich konnte mich lange Zeit nicht mit der Frau im Spiegel anfreunden, weil ich sie nicht so gut kannte, wie es mir lieb gewesen wäre. Dann änderte sich das langsam. Diese Geschichte entstand im Jahr 2018 – dem Jahr, in dem auch „die Verschmelzung“ entstand. Ich hatte wirklich Spaß daran, mich kreativ auszuprobieren und meinen Dämonen zu erlauben, meinen Körper und meinen Geist zu verlassen. Dann wuchs mir kruzerhand das alles über den Kopf.
Habe ich mir einen abgegruselt, als ich diese Geschichte runtergetippt habe? JA!
Mittlerweile gehe ich mit meinen Dämonen anders um. Naja. Wirklich? Weiß ich nicht genau. Nach wie vor schreibe ich – jedoch bin ich der Realität, was auch immer sie ist, viel näher als damals. Momentan benutze ich das Zeichnen als Dämonen-Ventil. Denn ich zeichne derzeit – Achtung – Dämonen. Macht irgendwie Bock. Bilder zeig ich hier demnächst dann auch.
Alexej Georgijewitsch von Jawlensky, geboren irgendwann im März 1865 (oder auch 1864) im Russischen Kaiserreich, war ein renommierter Maler des Expressionismus. Er gehört zu der Künstlergemeinschaft „Der Blaue Reiter“, die von Wassily Kandinsky und Franz Marc initiiert wurde. Ich war Jawlensky auf der Spur und fand den Bro in München, Stuttgart und Wiesbaden.
Reife, circa 1912 (Lenbachhaus)Dame mit Fächer, 1909 (Wiesbaden)Stillleben mit bunter Decke, 1910 (Wiesbaden)
Alexej Jawlenskys Jugend in Russland
Jawlensky wuchs als fünftes Kind von sechs Geschwistern auf und entdeckte seine Leidenschaft für die Malerei im Alter von 17 Jahren. Damals sah er auf der Allrussischen Industrie- und Handwerksausstellung in Moskau erstmals in seinem Leben Gemälde. Diese Begegnung mit der Kunst bewegte ihn dazu, seine malerischen und zeichnerischen Fähigkeiten eigenständig zu entwickeln. Nach seiner Versetzung als Offizier nach Sankt Petersburg, besuchte er abends die Russische Kunstakademie.
An der Akademie lernte Jawlensky den berühmten Vertreter des russischen Realismus, Ilja Repin kennen. Dieser empfahl ihm 1892 die Ölmalerei bei Marianne von Werefkin (Marianna Werjöwkina, aber auch egal) zu erlernen. Werefkin war eine vermögende Baronin und erfolgreiche Malerin. Darüber hinaus war die gute Frau bekannt als “Russischer Rembrandt”. Sie unterstützte Jawlensky in seiner künstlerischen Entwicklung.
Marianne von Werefkin: Schindelfabrik, 1910 im Museum Wiesbaden – Tempera auf Karton.
Alexej Jawlensky zieht nach München
1896 zog Jawlensky gemeinsam mit Werefkin nach München. Geheiratet haben die beiden Hasen jedoch nicht. Werefkin würde sonst ihre Zarenrente verlieren und das wollte sie nicht. Stattdessen war sie bereit, ihren Jawlensky-Schatz zu fördern, wo es nur ging. Seine Weiterbildung vertraute sie dem Slowenen Anton Ažbe an. Unter Ažbes Anleitung sowie inspiriert durch Künstler wie Lovis Corinth, Wilhelm Leibl und Leo Putz konnte sich Jawlenskys Malerei weiterentwickeln.
Einen besonderen Platz in seiner Schöpfung nimmt das 1900 datierte Porträt „Helene fünfzehnjährig“ ein. Merk dir diesen Namen, denn später wird es ein wenig versaut. Dieses Gemälde deutet den Übergang von Jawlenskys realistischen Werken zu seinem späteren Stil an, obschon die elektrisierenden Farben, für die der Künstler heute bekannt ist, dort noch nicht zum Einsatz kamen.
Ab 1902 begann Jawlensky, Stillleben und Landschaften im neoimpressionistischen Stil zu gestalten. Seine Auseinandersetzung mit der Kunst van Goghs und seine Begegnung mit der Pariser Avantgarde prägten die folgenden Jahre seines Schaffens. Auch Matisse beeinflusste ihn und sein farblicher Stil entwickelte sich immer weiter.
Mystischer Kopf: Meditation, 1936 (Lenbachhaus München)Bildnis von Marianne von Werefkin um 1906 (Wiesbaden)Stillleben mit Samowar, 1901 (Wiesbaden)Da ist sie wieder: Helene im spanischen Kostüm, 1901/02 (Wiesbaden)
Deshalb hatten Jawlensky und Kandinsky Beef
Während seiner Zeit in Deutschland, vor allem im Jahr 1905, produzierte Alexej Jawlensky eine leuchtende Palette an Kunstwerken. Drei Jahre später kam es zu der legendären Zusammenarbeit zwischen Werefkin/Jawlensky und Münter/Kandinsky. Möglicherweise hatte sich danach das Verhältnis zwischen den beiden Malerpaaren kurzfristig getrübt. Werefkin, Jawlensky, Adolf Erbslöh und Oscar Wittenstein beschlossen die Neue Künstlervereinigung München (NKVM) zu gründen. Münter und Kandinsky waren an diesem Projekt zunächst jedoch nicht beteiligt. Darüber ärgerte sich Wassily Kandinsky noch Jahre später.
Doch schon bald sollten sich alle Unstimmigkeiten legen und Kandinsky wurde, wenn auch nur zögernd, 1. Vorsitzender der NKVM. Wenig später, im Jahr 1909, arbeiteten die beiden Künstlerpaare wieder zusammen in Murnau. Dies war genau die Zeit, als der Tänzer Alexander Sacharoff mit Werefkin und Jawlensky seinen großen Auftritt im Odeon in München vorbereitete.
Bildnis des Tänzers Alexander Sacharoff, 1909. Dieses fantastische Werk, das mir immer wieder Gänsehaut bereitet, hängt im Lenbachhaus München.
Der Tänzer Alexander Sacharoff und „Die weiße Feder“
Neben diesem berühmten Bildnis des recht femininen Tänzers gibt es noch eins von Jawlensky. Bis vor wenigen Minuten war ich fest davon überzeugt, dass ich des damals in Hamburg bei meiner Art, Drugs and Rock’n’Roll-Tour gesehen habe. Nach langer, verzweifelter Suche fand ich jedoch das Gemälde namens „Die weiße Feder“ in einem anderen Ordner. Das Bild hängt tatsächlich in der Stuttgarter Staatsgalerie – eines meiner vier bis fünf liebsten Museen der Bundesrepublik.
Als ich das Stuttgarter Gemälde vor mir sah, war ich gefesselt davon, obwohl mir Alexej Jawlensky zu dem Zeitpunkt, als ich dort war, noch kein großer Begriff war. Das Bild machte alles mir mir. Es lockte, es erinnerte an etwas, es faszinierte mit seiner Rätselhaftigkeit. Ich stand wie angewurzelt davor und missgenderte meinen Landsmann Sacharoff erstmal hart. Und da ist das Meisterwerk:
Die weiße Feder (Der Tänzer Alexander Sacharoff), 1909 – Öl auf Pappe.
Monogamie? Nein danke!
Als Deutschland während des Ersten Weltkriegs Ausländer zur Ausreise zwang, verließ Jawlensky sein privilegiertes Leben und zog mit seiner Partnerin Marianne von Werefkin, dem Dienstmädchen Helene Nesnakomoff und dem Sohn Andreas, den Jawlensky mit Helene gezeugt hatte, in die Schweiz. An dieser Stelle werde ich diese Beziehung nicht kommentieren und auch keine Parallelen zu anderen berühmten Dreiecksbeziehungen im Exil ziehen. Dort lebten sie alle zusammen am Genfersee.
Jawlensky musste sich an ein neues, weniger luxuriöses Leben gewöhnen. In seiner einfachen Unterkunft fand er Inspiration in der malerischen Landschaft des Genfersees. Seine Kunstwerke aus dieser Zeit zeigen noch erkennbare Naturdetails wie Bäume, Büsche und den See selbst.
Im Laufe der Zeit wurden diese Detailaufnahmen metaphorischer und spiegelten seine Gefühls-, Seelen- und Geisteswelten wider. Die ersten Arbeiten aus dieser Phase beschrieb Jawlensky als „Lieder ohne Worte“. Sie markierten einen Wendepunkt in seiner Karriere.
Selbstbildnis aus dem Jahr 1912 in Wiesbaden
Noch eine Frau in Alexej Jawlenskys Leben
1916 trat eine neue Förderin in sein Leben: Galka Scheyer. Die um 25 Jahre jüngere Frau unterstützte fortan seine Arbeit, allerdings mit einer vertraglichen Bedingung: 45% seiner Einnahmen aus Bildverkäufen gingen an sie. Autsch.
Mystischer Kopf, angeblich 1916/17. Öl auf Karton. Hängt in Wiesbaden.
Ende 1917 zogen Jawlensky und Werefkin nach Wollishofen bei Zürich um, wo Jawlensky begann, seine berühmte Serie der „Mystischen Köpfe“ zu malen. Inspiriert von menschlichen Gesichtern – vorwiegend Frauen – schuf er farbenfrohe Porträts mit starkem Ausdruck. Wohin es Alexej Jawlensky und seine Bohème-Familie als nächstes verschlug, erfährst du schon bald auf avecMadlen. Gute Nacht. Ich muss morgen echt früh arbeiten.
Das fantastische Gemälde „Der Jungbrunnen“ von Lucas Cranach dem Älteren (1546) beleuchtet die mittelalterliche Badekultur und Heilungsglauben auf provokative Art und Weise. Das Werk zeigt ältere Frauen, die sich in einem Brunnen baden und verjüngen lassen, um danach eine fette Party zu feiern. Männer hingegen scheinen in diesem Gemälde kein Interesse daran zu haben, sich in den Jungbrunnen zu begeben. Dieses Meisterwerk hängt in meiner geliebten Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin. Dieses Kunsthaus zählt für mich zu den wichtigsten Gründen, warum Berlin die geilste Stadt Deutschlands ist.
Der Jungbrunnen (1546); Maße: 120,6 × 186,1 Zentimeter
„Der Jungbrunnen“ von meinem Lieblings-Cranach
Die Szene im „Jungbrunnen“ spielt sich vor einer mystischen Landschaft ab, die durch ihre irrealen Perspektiven und Proportionen besticht. Während links karge Felsen als Symbol des Alters der Frauen stehen, repräsentiert rechts blühendes Leben die neu gewonnene Jugendlichkeit. Letzteres wird durch ein Wasserspender im Zentrum des Beckens unterstrichen. Bekrönt ist der Spender mit den Figuren von Venus und Amor – hier dienen sie als Symbole für Erneuerung der Liebeskraft.
Eindrücklich zeigt mein geliebter Cranach am linken Rand des Bildes gebrechliche alte Frauen. Sie werden nämlich aus einer kargen Berglandschaft ins Wasserbecken geführt. Nach ihrer Verjüngung treten sie am rechten Rand wieder hervor. Ein junger Mann geleitet sie dann zur Neueinkleidung in ein Zelt – der erste Schritt zurück ins sinnliche Vergnügen.
Links: vor dem BadeRechts: danach
Cranachs Scherzchen und das mittelalterliche Weltbild
Im Kunstwerk finden sich ein paar scherzhafte Bezüge. Zum Beispiel ein möglicher Arzt, der eine nackte alte Frau begutachtet, bevor sie ins Wasser steigt. Aber auch die Zweifel mancher Frauen, ob ein verjüngtes Leben tatsächlich erstrebenswert ist, werden aufgegriffen. Man Blicke nur in die Gesichter dieser Frauen.
Deutlich wird in Cranachs Jungbrunnen auch eine mittelalterliche Weltansicht. So sollen nur Frauen dieses Bad benötigen, da alte Männer sich durch den Umgang mit jungen Frauen automatisch verjüngen würden. Doch trotz des übernatürlichen Themas bleibt Lucas Cranach d. Ä. in seiner Darstellung realistisch. Alle Männer, mit denen sich die verjüngten Frauen abgeben sind ebenfalls jung und galant. Die alten Frauen stellt er auffällig unattraktiv und erloschen dar. Keine Gilfs in Sicht.
Cranachs Jungbrunnen: Schwierigkeiten bei der Zuschreibung
Die Zuschreibung des Gemäldes gestaltet sich schwierig. Sowohl Vater Lucas Cranach der Ältere als auch sein Sohn (Lucas Cranach d. J.) kommen als Urheber infrage. Derzeit neigt die Forschung dazu, es dem Alterswerk des Vaters zuzuordnen.
Das Bild, ausgeführt in Öl auf Lindenholz, trägt das Schlangenzeichen mit Vogelflug aus Cranachs Werkstatt und die Jahreszahl 1546. Es wurde für einen unbekannten Auftraggeber angefertigt und gehört seit 1829/1830 zur Verwaltung der königlichen Schlösser.
Es brach die frühe Weihnachtszeit an, als J. eines morgens aufwachte und sie weg war. Verschwunden, verschollen, entführt – in Luft aufgelöst. Sein Körper schien gelähmt oder beeinträchtigt, doch wie so oft wusste er nicht, die sich ergebene Situation zu beherrschen.
J. wusste, sie kommt zurück. Wo sollte sie denn ohne in hin? Er dachte, der Fels zu sein, den sie sich immer erträumt hatte. Warum sollte sie fort gehen? Sie würde schon wiederkommen – schließlich waren sie durch den Bund eines Versprechens füreinander bestimmt.
Mit dieser Überzeugung kroch J. aus seinem reizlosen Bette, in dem er bereits seit Tagen alleine schlief, ohne diese bis dahin bemerkt zu haben. Er fragte sich unaufhörlich, was sie geritten haben könnte, dass sie kurzerhand unterblieb. Sie war doch wohl irre.
Um Gras über die Sache wachsen zu lassen, lebte J. die nächste Zeit in dem Wunschtraum, sie durch Zufriedenlassen wieder zur Besinnung zu bringen. Jedoch vergingen Stunden, Tage, ja, sogar Wochen ohne jeder Spur von ihr. Hatte sie sich in einen anderen vernarrt? War sie es vielleicht schon die lange, trostlose Zeit ihrer Zweisamkeit? War sie überhaupt noch bei Sinnen? J. wusste keine Antwort darauf, die plausibel genug wäre, um dieses abwegige Verhalten, das sie ihm bot, darzulegen.
An ihre letzten Worte erinnerte er sich nicht. Und auch nicht an die Worte davor. Hatte er sie nicht gehört? Gehört, aber nicht hingehört? Dies spielte für ihn keine treffliche Rolle. Es war allein ihre Entscheidung, die sie aus heiterem Himmel gefällt hatte.
Was er nicht ahnte, ist dass sie nie weg war. Sie war da – in seiner Nähe, in seinem Bette. Bloß übersah er sie konsequent. Als er aber nichtstuend auf ihre Rückkehr wartete und sich ihrer Schuld an diesem Bruch so klar wie nie zuvor war, wurde sie immer unsichtbarer, bis sie schließlich, eine Schrift hinterlassend, irreversibel verschwand. Diese Schrift lesend verließ J. das Haus, ging über die eisigen, verschneiten Straßen, bis er letzlich eine vergleichbar vereinsamte Laterne fand, die herrenlos in einem dunklen Winkel vor sich hin leuchtete. Ihr Licht erhellte nicht das Geringste ihrer Umgebung.
J. stellte sich unter die Laterne und umfasste sie. Für einen Augenblick dachte er, sie wieder in seinen Armen zu halten und die Stimme zu hören, für die er bislang so taub gewesen ist. Er entkleidete sich sogar, um dieses Gefühl zu intensivieren.
Als der Frühling anflaniert kam, fand ein Arbeiter der Baden-Badener Stadtwerke die kaputte Laterne vor, die in erfrorene Reste menschlichen Fleisches geschmückt war und eine Glückseligkeit überkam sein Herz, wie er sie bislang noch nie verspürt hatte.
Ein Kommentar zu dieser kleinen Geschichte
Nun. Ganz davon abgesehen, dass diese Geschichte – und vielleicht auch mein Scheffelpreis – mir meinen ersten Job im Journalismus sicherten, war es ein Ausbruch meiner emotionalen Angestautheit, die mein erster Verlobter J. nicht verstehen wollte. Einerseits hatte ich Schwierigkeiten damit, adäquat zu artikulieren, was ich auf dem Herzen habe, andererseits wollte er es auch gar nicht wissen oder verstehen. Wiederum muss ich sagen, dass wir beide damals sehr jung waren und dass diese leere Schlucht zwischen zwei Individuen, die versuchen miteinander zu sein, vielen Leuten bekannt vorkommen sollte. Oder könnte.
„Die Verschmelzung“ entstand 2018. Die Trennung hatte mich damals schwer mitgenommen (obviously) und ich verkackte in diesem emotionalen Zustand halber mein ganzes Abitur am Rastatter Abendgymnasium. Aber alles, was in dieser Phase meines Lebens passierte, brachte mich näher mit mir selbst zusammen und zeigte mir den Weg auf, den ich wirklich beschreiten wollte.
Ich hatte wahnsinnig Spaß dran, diese Geschichte zu schreiben. Damals war ich so weit weg davon, mir vorstellen zu können, dass ich sie eines Tages veröffentliche. Oder dass das Schreiben eines Tages ernsthaft zu meinem Beruf wird. Aber so geht es vielen in meiner Branche. Grüße gehen raus an J. – schreib mir bloß nicht, Bruder.
Larnaca – eine Hafenstadt im Südosten Zyperns, die ich sofort ins Herz schloss. Ich will nicht behaupten, dass sie die schönste Stadt der Mittelmeerinsel ist, aber sie hat es in sich. Durch die gute Anbindung (Hafen und Airport) ist sie wahrscheinlich besonders international und zählt über 52.000 Einwohner. Was ich dort gemacht habe? Nichts. Ich chillte am Strand und arbeitete hart daran, meine Augenringe loszuwerden. Der Plan ging auf. Nicht eine einzige Museums-Action startete ich in Larnaca. Und ja, ich habe es halbwegs überlebt. Wenn auch so semi.
Große Überraschung am Flughafen in Larnaca
Als wir dort landeten und zum Autoverleih gingen, stellten wir fest: oh, upsi – man fährt in Zypern ja auf der linken Straßenseite, während das Lenkrad rechts im Auto ist. Überraschung! Meine Mutter schaute mich mit großen Augen an und ich wusste: meine Sternstunde hat geschlagen. Mit Wahrheiten und Unwahrheiten überzeugte ich sie nachdrückend davon, mir das Steuer zu überlassen. Ich war wohl einfach viel zu geil drauf, etwas Neues zu fühlen. Zu meiner eigenen Überraschung hatte ich keine Schwierigkeiten damit, mich an die neue Fahrweise zu gewöhnen. Eine Abenteuerfahrt bis zum Hotel war es aber dennoch.
Aus dem kleinen Leihwagen steigend kam mir schon die warme Meeresluft entgegen. Der Hund liebte es auch so hart wie ich. Dann schlafen, frühstücken, komatös am Strand zur Besinnung kommen, Frankfurt vergessen und im Anschluss die neue Gegend erkunden. In Larnaca kann man offensichtlich bei der Wahl des Speiselokals nichts falsch machen. Alles schmeckt, und zwar überall. An meinem ersten Abend aß ich Muscheln und Grünzeug mit Meeresblick – es war perfekt.
Wenn der heilige Hund glücklich ist, dann bin ich es auch.
Larnaca: Alter, ich liebe Zypern
Wir gingen die hölzernen Wanderpfade entlang, sammelten in unseren Schuhinnenräumen Sandanlagerungen und verbrannten in der Sonne. Naja, eigentlich nur ich. Muttern ist da wesentlich robuster. Natürlich probierte ich auch sofort die ganzen Trainingsgeräte aus, die entlang des Strandes an verschiedenen Stellen installiert sind. Training mit Eigengewicht – nicht sonderlich schwer, aber dafür umso spaßiger.
Als wir in den kommenden Tagen auch andere Ecken von Larnaca erkundeten, genoss ich vor allem den Ausblick auf die dicken Villen, Bungalows, Pools und Palmen. Die Mietkosten in Larnaca scheinen meinen ersten Recherchen nach etwas geringer als in Frankfurt zu sein, jedoch auch etwas höher als in anderen zypriotischen Städten. Warum, kann ich auf Anhieb nicht beantworten, aber: auf Zypern lässt es sich offensichtlich gut Leben. Die Menschen sind geladen, glücklich und hart am Chillen.
Muttern ist mal wieder am Muttern
Kurzer Zwischenschub: Deshalb war avecMadlen down
Gott, bin ich jetzt in diesem Moment froh, wieder in die Tasten zu hauen. Die letzten Wochen war avecMadlen wegen technischer Schwierigkeiten innerhalb der Domain deaktiviert und mein Herz blutete. Jeden Tag. Jetzt weiß ich auch, warum ich mich so beschissen und deprimiert fühlte. Ok, ich übertreibe. Es war erträglich, aber nicht erfüllend.
Endlich wurde das Problem mithilfe eines netten Callcenter-Mitarbeiters behoben, wenn auch noch nicht bis zum Schluss, und ich kann wieder (auf)atmen. Die Leserzahlen auf das Niveau von vor dem Desaster zu bringen, wird sicher ein bitterer Spaß. Aber egal. Wird schon wieder. Zurück zu Larnaca.
Zeitreise durch Larnaca: Die bedeutsame Geschichte Zyperns
Machen wir eine kleine Zeitreise. Das ehemalige Stadtkönigreich Kition, bekannt für seine beeindruckenden antiken Ruinen aus dem 13. Jahrhundert v. Chr. (!), zieht immer mehr Historiker und Archäologen an. Gelegen im heutigen Larnaca, war Kition einst das Zentrum eines mächtigen phönizischen Königreiches. Auch der Tempel von Melkart (Ešmun), der in der römischen Ära als Äskulap oder Herkules bekannt war, sowie der Tempel Artemis Paraliabieten besonders faszinierende Einblicke in die Vergangenheit dieser zypriotischen Stadt. Beide habe ich natürlich nicht gesehen, schrieb sie wütend. Nächstes Mal dann.
Archäologische Schätze aus der Antike begeistern hier seit dem 19. Jahrhundert die Welt der Kunsthistoriker. Besonders faszinierend sind die Überreste von Heiligtümern und Zyklopenmauern von Larnaca, die Forscher nach und nach freilegen konnten.
Zypern entdecken: Sehenswürdigkeiten in Larnaca
Zwar habe ich kein einziges, bis auf die Strandpromenade, davon gesehen, aber das sind die wichtigsten Sehenswürdigkeiten der Stadt Larnaca:
„Maddl mit dem Paddel“ – 10 Euro für eine Stunde Spaß in den wogenden Wellenan meinem letzten Tag in Larnaca.
In neuerer Zeit hat sich Larnaca zu einem wichtigen Handelszentrum entwickelt. Die Stadt ist Sitz mehrerer europäischer Konsulate geworden. Nach der türkischen Invasion 1974 und der Schließung des Hafens von Kyrenia und des Flughafens Nikosia hat die Bedeutung dieser Hafenstadt weiter zugenommen.
Heute ist sie nicht nur ein wichtiges wirtschaftliches Zentrum, sondern auch ein Schauplatz reicher antiker Geschichte, der sowohl für Historiker als auch für Touristen von großem Interesse ist.
Als das „hessische Porto“ bezeichnete ich ein kleines Städtchen am Neckar, als ich einen Artikel über Kurzurlaube in der Region schrieb. Auf den verwendeten Bildern erinnerte mich die Stadt mit ihren Promenadenhäuschen entfernt an meine fantastische Zeit in Porto – und so war der Titel geboren. Die Bilder des Städtchens gefielen mir so gut , dass ich am Tag darauf hinfuhr. Ich hatte nicht all zu viel versprochen: Fluss, Stadtbild vom anderen Ufer des Flusses sowie auch die bergigen kleinen Gassen versetzten mich sofort zurück nach Portugal. Dass ich mich in Deutschland befand, war allerdings deutlich spürbar.
Mein Ausblick auf dem Weg zum Schloss.
Hirschhorn (Neckar) – das „hessische Porto“
Während ich das kleine Örtchen Hirschhorn (Neckar) erkundete, fiel mir sofort die geleckte Sauberkeit auf. Jedes Blümchen hatte dort seinen Platz. Vom Kopfsteinpflaster hätte man wahrscheinlich essen können, so sauber war es. Die süßen Fachwerke und Ziegelhäuschen erinnerten zwar entfernt an die zarten Tafelhäuschen in Porto, gaben mir aber ein eindeutiges Hessen-Feeling.
Beeindruckend fand ich die Natur. Vor allem hoch oben auf dem Schloss – dort lässt es sich über die ganze Region blicken. Fluss, Berge, Frühlingsgrün – es war wirklich traumhaft. Mein Aufenthalt auf dem Schloss war sehr schön, so auch mein Besuch in der kleinen Klosterkapelle. Ich wechselte die Flussseite und setzte mich ins Gras. Von hier hatte ich einen traumhaften Blick auf das „hessische Porto“. Dann malte ich es. Das war das erste Mal, dass ich mich für das Motiv Landschaft entschieden habe. Das sollte auf jeden Fall noch mal ordentlich geübt werden. Aber ich hatte Spaß – und das ist genau das, was zählt.
Ich steh zur Zeit drauf, mit Tinte zu malen. Das mit der Landschaft üben wir aber noch mal ordentlich.
Hirschhorn am besten mit Heidelberg kombinieren
Was Hirschhorn von Porto unterscheidet, sind natürlich Stille und fatale Langeweile. Ein Tagesausflug lässt sich noch aushalten, ein Kurzurlaub wäre mir etwas zu viel des Guten. Die kleine Landstadt ist der perfekte Ort für alle, die ihre Ruhe suchen. Dort gibt es nämlich nicht all zu viel zu tun, außer spazieren, wandern, auf den Neckar starren und wahrscheinlich essen gehen. Aus den kleinen Restaurants der Ortsmitte roch es nämlich fantastisch. Ich jedoch hatte an diesem Tag nicht so Bock zu essen und hatte nur ein Wasser und einen Kaffee vom Mannheimer Bahnhof. Dafür, und für die Fahrt insgesamt, gingen vier Euro drauf. Bloß kein Beispiel an mir nehmen, man sollte in den Regionen immer Kohle liegen lassen, um die lokalen Unternehmen zu unterstützen.
Ab durch die kleine LandstadtStadtmauer, I guess?Über der SchleuseAusblick von der SchlossterrasseGebäudeteile des SchlossesAusblick vom anderen Ufer
Hirschhorn: Kurzer Waldtrip durch das „Porto Hessens“
Später gab es noch eine kurze Action durch den Wald. Ich fand den historischen jüdischen Friedhof, der äußerst liebevoll gepflegt war – wie eigentlich alles in Hirschhorn – und genoss das zarte Grün der Bäume, das nur wenige Tage zuvor zum Vorschein kam. All zu lange war ich nicht im Wald, meine Schuhe brachten mich nämlich fast um.
Ich, wie ich Spaß in Hirschheim habe.
Es war ein fantastischer Tag, den ich mit mir selbst verbrachte. Es herrschte schönstes Wetter und Hirschhorn war mir eine Freude. Alle Menschen, die mir dort begegneten, strahlten mich an, lächelten, nickten und waren einfach genau so süß, wie ihr kleines Landstädtchen am Neckar.
Von Frankfurt fuhr ich 2,5 Stunden mit der Bahn. Mit dem Auto soll es etwas schneller gehen, aber ich wollte unterwegs natürlich wieder Leute in der Bahn malen.
Immer öfter erlaube ichmir diesen Spaß: Ich male Menschen in der Bahn. Ich finde es lustig, kann unterwegs meine Fähigkeiten trainieren und mache etwas Sinnvolles, während ich darauf warte, an meiner Station anzukommen. Ich meine auch, dass meine halb-geheime Übeltat kaum einem Mitreisenden auffällt. Denn bewaffnet bin ich mit einem winzigen Block, einem Stift und einer Sonnenbrille, die vor allem den Zweck erfüllt, dass das gemalte „Objekt“ nicht sieht, dass ich es in regelmäßigen Abständen anstarre.
In Frankfurthabe ich extrem viele Gesichter gesehen, die mich faszinieren. Die Frankfurter haben nun mal das „gewisse Etwas“. Seit ich im Thema Comic und Karikatur bin, sehe ich den Menschen viel intensiver in ihre Gesichter. Dort entdecke ich jedes Mal aufs neue faszinierende Züge, Besonderheiten und Charakteristiken. Ich achte viel mehr auf die Gesichtsausdrücke, seit ich sie zu Papier bringen will. Es erstaunt mich immer wieder, wie vielen Menschen die Emotionen ins Gesicht geschrieben sind. Zuvor fiel mir das nie auf.
Versteckte Kunst in der Bahn: Gesichtszüge und Emotionen
Manchmal passiert es, dass ich Menschen zeichne, und die Zeichnung zwar durchaus aussieht wie ein eigener Charakter, jedoch nicht ansatzweise dem Modell ähnelt. Aber daran arbeite ich. Es gibt durchaus auch „einfache“ Gesichter. Nicht etwa, weil sie einfache Gesichtszüge haben, sondern weil sie derart charakteristische Merkmale in sich tragen, dass es mir als Anfängerin besonders gut gelingt, diese aufzugreifen und zu malen.
Ich liebe jedes einzelne Gesicht in meinem winzigen Block. Zu jeder Person, die ich gemalt habe, hatte ich eine geheime Verbindung, von der die gemalte Person selbst nie erfahren wird. Die Endergebnisse bringen mich zum Lachen oder machen mich nachdenklich. Natürlich fühle ich mit und frage mich zwangsläufig, was in dem Leben meiner Modelle abgeht, wenn sie auf mich traurig, wütend ängstlich oder zerstreut wirken.
Heimlich malen: So suche ich mir meine Modelle aus
Es ist auch schon vorgekommen, dass meine Modelle sofort ausgestiegen sind, nachdem ich sie angefangen habe zu malen. In diesen Situationen fantasiere ich den Rest ihres Gesichts einfach dazu.
Wie ich meine „Objekte“ aussuche, ist einfach: Ich male wahllos alle Menschen, die in meine Sichtweite kommen. Natürlich, wenn ein gewisser Sicherheitsabstand zwischen uns herrscht. Schließlich will ich niemanden verunsichern oder gar jemandem zu nahe treten, wenn ich eine Karikatur überzogen darstelle – oder sie schlicht und einfach nicht so klappt, wie ich es will. Einen großen Bogen mache ich derzeit um schöne, junge Frauen: Noch habe ich es nicht gelernt, ihre Schönheit zu greifen und wiederzugeben. Aber auch daran arbeite ich.
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Während meiner Zeit bei Kiko Milano habe ich eine Sache gelernt: Make-up sollte zur Farbe des Halses passen, nicht des Gesichts. Das sorgt einerseits für einen sanften Übergang ohne Make-up-Ränder und gibt dir andererseits einen gesunden Teint. Trust the process. Wenn du also dabei bist, eine neue Foundation zu kaufen, teste sie mit einem Swipe auf deinem Hals. Dann warte circa 15 Minuten und beobachte, wie das Produkt oxidiert. Es könnte durchaus sein, dass es um einen ganzen Ton dunkler oder wärmer wird. Bei perfekter Übereinstimmung zwischen Hautfarbe und Foundation sollte es keinen Farbunterschied geben.
Unter uns werden sich zahlreiche Frauen finden, dessen Hals um einiges heller ist als das Gesicht. Auch bei mir ist das der Fall – nicht extrem, aber sichtbar. Dies hält mich jedoch nicht davon ab, die Farbe meines Make-ups nach dem genannten Prinzip zu wählen. Denn wenn ich das Gefühl habe, durch das aufgetragene Produkt blass(er) auszusehen, ist auf einen Freund immer Verlass: den Bronzer. Mit diesem kannst du nämlich nach Belieben spielen und ihn zur Akzentsetzung leicht bis intensiv auf Stirn, Wangen, Kinn und Nase verteilen. Er gibt deiner Haut den sonnengeküssten Touch, während die drunter liegende Foundation für Ebenmäßigkeit und einen leichten Highlight-Effekt sorgt.
Hatice Schmidt hat auch eine fantastische Make-Up-Routine. Lasse mich immer wieder gerne von ihr inspirieren.
Wenn deine Make-Up-Routine nur aus einem Schritt besteht
Unter uns werden sich jedoch auch viele finden, die sagen: „Scheiß doch mal auf diese ganzen Schritte. Ich will einfach schnell was drauf klatschen und abhauen.“ Auch das ist verständlich. Viele meiner ehemaligen Kundinnen haben eine Make-up-Routine, die aus nur einem Schritt besteht. Meistens freuten ebendiese Frauen sich über Foundations, die exakt ihrer Gesichtsfarbe entsprachen. Da es bei Make-up kein Richtig und kein Falsch gibt, ist auch diese Strategie völlig legitim. Meistens lohnt es sich jedoch, das Produkt auch in Hals und Dekolleté einzuarbeiten, um Streifen oder Ränder zu vermeiden.
Was ich letztens entdeckt habe, ist folgender Trick: Eine Beauty-Bloggerin probierte überschüssiges Makeup mithilfe eines nassen Schwamms und eines Papiertaschentuchs abzutragen. Fand ich spannend und probierte es aus. Den Schwamm habe ich hierfür angefeuchtet und ausgedrückt und ihn mit einem dünnen Papiertaschentuch umwickelt. Dann habe ich damit das bereits eingearbeitete Make-up im Gesicht abgetupft. Diese Technik optimiert Stellen, an denen wir etwas mehr Produkt aufgetragen haben als an anderen, indem sie das überschüssige Produkt sanft abträgt. Kann man mal probieren. Vor allem wenn man sieht, dass sich während des Schminkens Ränder oder Flecken gebildet haben.
Make-up Produkte gibt es wie Sand am Meer. Welches das beste für dich ist, musst du selbst herausfinden. Copyright: IMAGO / Pond5 Images
Onlinekauf: Das solltest du bei Make-up beachten
Du kaufst dein Make-up online, ohne es zuvor getestet zu haben? Wagemutig. Aber auch für dich gibt es gewisse Orientierungshilfen, an die du dich halten könntest, um deinen Kauf so zufriedenstellend wie möglich zu gestalten. Denn die Kunst, die perfekte Foundation-Farbe zu finden und sie richtig aufzutragen, ist ein Game-Changer für ein natürlich aussehendes Make-up. Kaufst du eine Foundation, ohne sie zuvor live getestet zu haben, solltest du zuerst deinen Hautunterton kennen. Schau dir dazu die Venen an der Innenseite deines Handgelenks an: Erscheinen sie bläulich? Dann hast du einen neutralen Hautton und sowohl kühle als auch warme Foundation-Nuancen können gut zu dir passen. Schimmern deine Venen in violett, so sind kühle Foundation-Farben ideal für dich. Sind deine Venen mehr grünlich, wirst du mit einer warmen Foundation-Nuance strahlen.
Deine ideale Foundation-Farbe hängt natürlich auch von deinem persönlichen Geschmack ab. Willst du zum Beispiel deinen Teint farblich beeinflussen, dann wähle maximal eine Nuance heller oder dunkler aus. Denk dran: Deine Hautfarbe verändert sich im Laufe des Jahres – im Sommer bist du oft etwas dunkler als im Winter. Also solltest du auch deine Foundation-Farbe entsprechend anpassen.
Foundation: Nicht nur die Farbe ist entscheidend
Beim Foundation-Kauf lohnt es sich natürlich nicht nur auf die Farbe zu achten, sondern auch auf die Art des Produkts. Willst du ein mattes, halbmattes oder glänzendes Finish? Kannst du den Geruch des Produkts leiden? Was soll es können? Gut abdecken? Lange halten? Alle Informationen stehen meistens auf der jeweiligen Verpackung. Je nachdem welche Deckkraft und welches Finish du bevorzugst, gibt es unterschiedliche Arten von Foundations zur Auswahl: Creme-Make-up für einen natürlichen Look; Mousse-Make-up für extra viel Deckkraft bei Unreinheiten; Anti-Aging-Make-up mit zusätzlichen Pflegestoffen für reife Haut; Cushion-Foundation für einen schönen Glow und einfache Anwendung sowie Kompakt-Foundation gegen Hautglanz. Darüber hinaus gibt es BB-Creams. Diese eignen sich insbesondere für Anfänger oder Girls, die es sehr eilig haben. Sie haben keine besondere Deckkraft, sind dafür aber pflegend und können schnell einen strahlenden Glanz zaubern.
Und zum Schluss noch drei Tipps von einem Make-up Artist, der auch mich zu Experimenten inspiriert hat, die bis heute fester Bestandteil meiner Make-up-Routine sind: Trage deine Foundation immer von der Gesichtsmitte aus nach außen auf. Ein Primer kann helfen, dass dein Make-up noch länger hält. Und wenn du zu öliger Haut neigst, fixiere dein Make-up nach dem Auftragen der Foundation mit etwas Puder. So gelingt das perfekte Finish.
Der venezianische Maler Lorenzo Lotto, bekannt für seinen unkonventionellen Stil, hat in einem seiner frühen Werke die mystische Vermählung der Heiligen Katharina von Alexandria dargestellt. Dieses Thema war insbesondere für die Andacht junger Frauen beliebt. Dieses eindrückliche Werk sah ich auf der Finissance der Venezia 500 in München. Meinen Blick konnte ich lange nicht davon lösen.
Lorenzo Lotto: Die mystische Vermählung der hl. Katharina, circa 1506 (Fragment)
Lorenzo Lotto: Die Vermählung der Heiligen Katharina
Laut Legende suchte die heilige Katharina einen Ehemann, der ihr an Stand, Vermögen und Intellekt ebenbürtig war. Sie wandte sich an einen Einsiedler um Rat, der ihr ein Bildnis der Madonna zeigte und Christus als idealen Gemahl vorschlug. In einem darauffolgenden Traum überreichte der Christusknabe Katharina symbolisch einen Ring zur Bestätigung ihrer mystischen Hochzeit.
Lotto’s ungewöhnliche Komposition lässt den Blick auf einen intensiven Abendhimmel frei und unterstreicht den visionären Charakter dieser Szene. Seine eigenwillige und fantasievolle Bildsprache zeugt von seiner ständigen Suche nach innovativen ikonographischen Lösungen für seine Kunstwerke.
Lorenzo Lotto: Die mystische Vermählung der hl. Katharina, circa 1506
Das ist über den venezianischen Künstler bekannt
Lorenzo Lotto, geboren 1480 in Venedig und verstorben vor Juli 1557 in Loreto, zeichnete sich als bedeutender italienischer Maler der Hochrenaissance und des frühen Manierismus aus. Trotz seiner unklaren Jugend- und Ausbildungszeit stieg er wegen seines einzigartigen Stils und seiner eigenständigen Interpretationen zu einem gefragten Künstler auf.
Lotto war stark von den Arbeiten Giovanni Bellinis und Albrecht Dürers beeinflusst, wie seine frühen Werke verraten. Seine erste Erwähnung als Maler datiert auf den 10. Juni 1503, als er in Treviso im Veneto lebte. Zu dieser Zeit hatte Lotto bereits einen hervorragenden Ruf erworben und wurde in Dokumenten aus dem Jahr 1505 sogar als „sehr berühmter Maler“ bezeichnet.
Lorenzo Lotto: Diese Lebensjahre sind besonders wichtig
Neben seiner Arbeit in verschiedenen italienischen Städten, darunter Rom und Bergamo, schuf er bedeutende Werke für Kirchen wie die Pala di Santa Cristina bei Treviso oder das große Polyptychon für die Kirche San Domenico in Recanati. Bemerkenswert ist auch seine künstlerische Phase während seines Aufenthalts in Bergamo zwischen 1512 oder 1513 bis Ende 1525. Diese Phase gilt nicht nur quantitativ, sondern auch qualitativ als eine besonders fruchtbare Zeit von Lottos Leben.
Trotz finanzieller Schwierigkeiten und persönlicher Rückschläge blieb Lotto seiner Leidenschaft treu und widmete sein Leben ganz der Kunst. Seine letzten Jahre verbrachte er zurückgezogen im Kloster Santa Casa in Loreto, wo er trotz schwindender Augenkraft weiterhin malte.
Spätwerk des Lorenzo Lotto: Bildnis des Giovanni della Volta mit Frau und Kindern (1547)
Sein Werk ist fantasievoll und formal vielfältig – es steht grundsätzlich in der koloristischen Tradition der venezianischen Malerei nach Giovanni Bellini und Vivarini, jedoch mit ganz eigenständigen zügen. Sein Streben nach Natürlichkeit bleibt dabei stets erkennbar. Dies und sein virtuoser Umgang mit Licht und Schatten verleihen vielen seiner Bildkompositionen eine gewisse Unmittelbarkeit sowie etwas Mystisches.
Zum Staunen geht man im Liebighaus in den Keller. Das ist mitunter eines der Erkenntnisse, die ich im Jahr 2024 gewinnen konnte. Als mich meine Mama in Frankfurt besuchte, gingen wir ins Liebighaus, um uns die dortige Skulpturensammlung anzusehen. Von ihr blieb ich größtenteils unbeeindruckt, weil das Neue und das Alte Musem Berlin mich für andere Museen versaut haben. Doch im Untergeschoss des Frankfurter Kunsthauses fand ich Schätze, die ich in der Form noch nie zuvor gesehen hatte – zumindest nicht in diesem Ausmaße.
Denn dort befindet sich die Elfenbeinsammlung von Reiner Winkler (1925–2020). Der Sammler schuf eine ganze Kollektion an Elfenbeinskulpturen mit dem Schwerpunkt Barock. Winkler baute seine Sammlung seit 1962 kontinuierlich auf. Im Laufe seiner Sammeltätigkeiten entwickelte er einen spezifischen Geschmack und konzentrierte sich schließlich voll und ganz auf Elfenbeinskulpturen des 17. und 18., in geringem Umfang auch des frühen 19. Jahrhunderts.
Wie soll ich danach denn jemals wieder auf mein Leben klarkommen? Das ist die Kreuzabnahme Christi aus Süddeutschland, möglicherweise Augsburg, 17. JH. (Fragment. Gesamtwerk im Titelbild.)
Elfenbeinsammlung im Liebighaus Frankfurt
Winkler war der Liebighaus Skulpturensammlung zu Lebzeiten eng verbunden. Mehrfach stellte er dem Museum Leihgaben für Ausstellungen zur Verfügung. Ebendort hat seine Sammlung nun „ihre neue und endgültige Heimat“ gefunden und bleibt somit „als ,Gesamtkunstwerk‘ erhalten“, wie es sich Reiner Winkler ausdrücklich wünschte. Die Exponate sind merkbar erlesen und an Einzigartigkeit kaum zu überbieten. Aus dem Staunen kam ich also gar nicht heraus.
Seit 2019 waren schon zahlreiche Meisterwerke bekannter Bildschnitzer im Liebighaus unter dem Ausstellungstitel „White Wedding zu sehen. Mit der Folgeausstellung „Splendid White“ (2022) wurde die Elfenbein-Sammlung Reiner Winklers im Liebieghaus vervollständigt und ist nun als Dauerausstellung zu sehen. Der Eintritt kostet regulär 8 Euro.
Süddeutschland, wahrscheinlich Augsburg, aus dem 17. JH: Darstellung der acht Haupttugenden. Sieh dir hier Mal diesen Schmuck an und stell dir vor, dass jede einzelne Figur dabei kaum größer ist, als dein kleiner Finger. Ich liebe es einfach. Die Materialmischung ist so wild und so unnötig prunkvoll.
Wie wurde mit Elfenbein gearbeitet?
Es ist die Frage nach dem wie, die immer wieder aufkam, während wir uns die Elfenbein-Sammlung im Liebighaus ansahen. Wie konnte das „weiße Gold“ so bearbeitet werden, dass die Figuren auf den Reliefplatten derart filigran und winzig waren? Hierfür blicken wir kurz in die Geschichte zurück:
Süditalien/Sizilien, 18. JH: Sturz der abtrünnigen EngelMuttern ließ dieses Exponat recht kalt, doch ich war kurz davor, die Scheibe anzulecken, so geil wie ich es fand…
Bereits in der Altsteinzeit schätzten Menschen Elfenbein als besonders kostbares Material, weil es Holz und andere Rohstoffe beachtlich überdauerte. Um Elfenbein zu schnitzen, benutzten unsere Vorfahren Werkzeuge wie Klingen, Bohrer und spitze Stifte aus Feuerstein. Das wissen wir anhand der Spuren auf zahlreichen Artefakten dieses Zeitalters. Irgendwann wechselten die Elfenbeinschnitzer zu Metallwerkzeugen, die deutlich effektiver waren. Trotz dieser Weiterentwicklung bei Werkzeugen blieb die Kunst des Elfenbeinschnitzens über Tausende von Jahren erstaunlich konstant.
Elfenbein: Lag der hohe Grad der Ästhetik am Werkzeug? Nö!
Die handwerklichen Fertigkeiten und das kreative Geschick der Schnitzer prägten diese Kunstform in jeder Epoche der Menschheitsgeschichte. Selbst die Erfindung von Maschinen veränderte die Grundlagen des Handwerks kaum, eröffnete aber neue Gestaltungsmöglichkeiten. So ermöglichten etwa Drehbänke das Drechseln von Elfenbein und die Herstellung von sogenannten Wunderkugeln. Hierbei handelt es sich um kunstvolle Kugeln mit ineinander verschachtelten Verzierungen, die aus einem einzigen Stück Elfenbein gefertigt wurden.
Im 17. Jahrhundert erreichte die Elfenbeinschnitzerei in Europa einen künstlerischen Höhepunkt. Im Barock verzichtete man im Gegensatz zum farbenfrohen Mittelalter auf zusätzliche Bemalung, um den natürlichen, warmen Farbton des Elfenbeins wirken zu lassen. Künstler schufen in diesem Jahrhundert vermehrt Skulpturen, Reliefs und prunkvolle Gefäße mit eingearbeiteten Metallelementen.
Johann Ulrich Hurter: Deckelhumpen mit Triton und Nereiden, um 1700Süddeutschland, 17.JH: Minerva führt die Bildhauerei und Malerei den sieben freien Künsten zu & Darstellung der acht Haupttugenden…wild alterJean-Antonie Belleteste (1731-1811): Verkündigung an MariaJean-Antonie Belleteste (1731-1811): Marias HeimsuchungDer Gähnende (nach Franz Xaver), 19. JHDas ist das Werk vom Titelbild: Die Kreuzabnahme Christi
Die Elfenbeinkunst erlebte mit den prächtigen Werken im Stil der Chryselephantin, einer Kombination aus Gold (oft durch vergoldete Bronze ersetzt) und Elfenbein, während des Jugendstils und Art déco eine letzte Blüte.
Die folgenden Exponate haben nicht das Geringste mit Elfenbein zu tun, außer dass sich mit der Reiner-Winkler-Sammlung zusammen ein Dach teilen. Es sind meine persönlichen Mega-Highlights aus Marmor, Bronze (teilvergoldet) sowie auch Holz:
Johann Heinrich von Dannecker – Adriane auf dem Panther (1803-1814)François Duquesnoy (1597-1643) – Marienbüste und ChristusbüsteNiederbayern um 1440-1450 – MuttergottesChristuskinder aus Deutschland – 16. JH… und natürlich meine Lieblingsthematik: Der Kopf des Täufers